Série Gontran Netto e as parcerias com Historiadoras I: o encontro com Radha Abramo

por Gisele Miranda

O Angelus Novos do Porvir, aquele que olha a diante e se apropria do real e o metamorfoseia. (NEGRI, 2001, p. 17)

Radha Abramo (1934-2013) foi uma crítica de arte brasileira, historiadora, militante da liberdade de expressão pela história e pela arte em ação política. Junto com o jornalista Claudio Abramo (1923-1987), seu marido, foram presos políticos em 1975, mesmo ano do assassinato do amigo também jornalista Wladmir Herzog (1937-1975),  durante a ditadura civil e militar do Brasil, no governo de Ernesto Geisel, de 1974 a 1979.

Radha e Claudio resistiram alguns anos, mas saíram do Brasil retornando em 1985 quando o gal. João Figueiredo de 1979 a 1985, realizou a transição política sem eleições diretas. A Comoção das ‘Diretas Já‘ foi suprimida naquele momento, mas tornou-se uma histórica manifestação agregada ao retorno dos exilados políticos, ou seja, os primeiros passos depois de 21 anos de ditadura. Assim, retornaram o casal Abramo, Gontran Netto, “o irmão do Henfil e tanta gente que partiu…”(*)

Em 1985, houve a disputa entre o filho pródigo da ditadura militar Paulo Maluf e o oposicionista Tancredo Neves que venceu mas não assumiu porque veio a óbito assumindo seu vice José Sarney, de 1985 a 1989. Abaixo, uma crítica sarcástica sobre esse momento reverberando Maquiavel através de Gontran Netto, o pintor amigo de Radha, acolhido pela marchand do exílio ao retorno.

Se considerarmos que Maquiavel nos seus conselhos ao príncipe sugere o seguinte: para preservar o seu poder faça uma guerra ao seu primo, seu rival potencial. Pra isto, nomeie um general competente que ganhará a guerra e se tornará um herói. Faça com que ele seja morto por um assessor. Enforque este assessor. Faça um enterro apoteótico ao general herói nacional. Em seguida nomeie um ministro civil comprometido com todas as fraquezas do sistema. Assim ele será permanentemente dependente de sua tutela. Ocorrendo isto terá um reinado estável e permanente. (Gontran Netto, áudio, 2007)

A historiadora encontrou no artista Gontran Netto recursos pictóricos com conteúdo necessário sobre questões que lhe eram caras demais, tais como a Democracia,  os Direitos Humanos, repúdio as ditaduras, as torturas e as prisões em uma linguagem de luta expressa à Educação. Desde então, Radha passou a acompanhar e a escrever sobre a arte de Netto como aulas de História, Arte e Política.

Ele tem uma vocação política que emerge de seus pincéis (…) transformados através da arte em uma ação futura. A “ação futura” é vislumbrada na obra e Gontran, do presente de luta para que o passado seja tratado dos males de sua história de violência, usurpação e de silêncio. As pinturas, os desenhos, as gravuras de Netto, conseguem debater o que de pior vem acontecendo. (ABRAMO, Radha. Manuscrito, Paris, ago. 1982)

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  Gontran Guanaes Netto (1933-2017)

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  Gontran Guanaes Netto (1933-2017)

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  Gontran Guanaes Netto (1933-2017)

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  Gontran Netto (1933-2017)

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  Gontran Guanaes Netto (1933-2017), 1989 A liberdade guianando o povo, 1989.

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  Gontran Guanaes Netto (1933-2017),

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  ´Sala Escura da Tortura´- trabalho coletivo: Gontran Guanaes Netto, Julio Le Parc, Alejandro Marco, Jose Gamarra.

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  Gontran Guanaes Netto, desenho ou escrita, s/d

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  Gontran Guanaes Netto, desenho/escrita, Série Figuras do Real, 1980

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  Gontran Guanaes Netto, 2001

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  Gontran Netto. Carlos Marighela 1969-1971.

Em maio de 2000, ela o destacou pela trajetória como professor de História da Arte:

Com cada turma que se formava (…) Para Gontran, parece-me, as condições objetivas e subjetivas configuradas em situações teóricas e/ou práticas, reviram-se, alimentavam-se uma das outras (…) no sonho do revolucionário e o bem querer do artista. (ABRAMO, Radha. Manuscritos, 2000)

Radha também esteve com ele quando foi encontrada uma pintura no Ministério da Agricultura, cogitada ser de Portinari ou de um dos seus assistentes e Gontran havia sido assistente de Portinari.

Houve a esperança de reconstruir a tela, mas o senhor Bardi e o Magalhaes disseram que não era do Portinari. Eu avaliei porque a Radha me disse que poderia ser meu ou do Luiz Ventura (…) esse quadro me fez rever o Portinari, as influências culturais contra o Portinari. (…) O Portinari se deu num processo de imigrantes, da região do café, da terra. Da terra nasceu um artista, refletindo esse estado do ser (…) ligado aos muralistas mexicanos e vedado pelo marcathismo (…). Bom, acharam que eu queria ganhar um dinheirinho fácil sobre um falso Portinari. Não houve restauro. Nem importa de quem era, mas merecia o restauro. (GGN, áudio, 9 mar. 2003)

A crítica de arte, em sua escrita sobre o artista, desde 1982, deixou um recado válido aos dias de hoje no Brasil:

“Se os museus brasileiros não tiveram ainda a honra de receber os quadros de Gontran, não importa. Cuba, o faz por eles.” (ABRAMO, Manuscrito, Paris, ago. 1982)

Gontran Netto e Radha Abramo. São Paulo, 2006.

Os textos de Radha são intensos para a sua geração e de vanguarda nos dias atuais. A mesma geração de Gontran em meio as arbitrariedades do Estado, das prisões, torturas e assassinatos. Invariavelmente de conflitos intensos sobre a condição de exilados. Falar sobre exílio é mesclar a infelicidade às tentativas de antídotos. Tema do qual Gontran e Radha vinham buscando entender, por isso foram ao encontro de Jacques Derrida (1930-2004) e Antonio Negri (1933-2023), ambos exilados.

Apesar de todo o processo de inclusão, de produtividades afetivas no exílio, Gontran, Radha, Negri, entre outros, projetaram e refletiram sobre as expectativas do desejo de retorno – o exílio está sempre em órbita porque é um “não lugar”. Ou como bem disse outra exilada, em um contexto histórico mais recente, contudo, interligado pela falta de Memória e História à fragil Democracia. 

O exilado perde a pátria, perde seu território, sua língua e sua pertença concreta. O exilado rompe o fio que o ligava à vida (…) O exílio confunde o estado político de exceção com o estado existencial de exceção quando a pessoa mesma já não existe (…) O exílio exige uma fuga perfeita, mas não há refúgio ou esperança para nós (…) O exílio é um estado de desterro para alguns no presente, um estado absoluto para todos no futuro. (Marcia TIBURI. Exílio. In: Instagram, 28 dez. 2021)

No entanto, a resistência política traz “a reflexão prática sobre o exílio” e “a relação entre valores e afetos”:

Falar de valores e afetos significa escavar no marxismo e na teoria do materialismo histórico até o ponto em que a produção de valor, ou melhor, a expressão do trabalho vivo, traz à tona, com a corporeidade do sujeito, sua inteira constituição mental e afetiva. (NEGRI, 2001, pp. 9-10)

(*) O bêbado e a equilibrista, de Aldir Blanc (1946-2020) e João Bosco (1945-) lançada na voz de Elis Regina (1945-1982), hino da anistia aos presos políticos, em 1979.

Sugestões:

BETINHO, a esperança equilibrista (filme). Direção Victor Lopes, 2015. Link trailer https://youtu.be/s7pksVLYAkU?si=AkSwfVLAiqr__Pty

HENFIL (documentário). Direção Angela Zoé, 2017. Link trailer https://www.youtube.com/watch?v=vMwpXx8_k4o

BETINHO, no fio da navalha (Série) Direção: Lipe Binder, 2023. Link trailer https://www.youtube.com/watch?v=ZFVL_zTlvUY

Reminiscências & Reflexões por Gontran Netto (parte I)

Por Gontran Guanaes Netto

 

A dinâmica da existência do homem se caracteriza pela sua capacidade de interiorizar e exteriorizar experiências.

É através da representação deixada pelo homem, desde seus primórdios, que nos permite ter uma noção aproximada do humano em sua dimensão mais abrangente.

Isto nos possibilita especular sobre as motivações e as constantes através dos tempos em etnias marcadamente diferenciadas e evidenciadas pelas representações nas cavernas. Frutos dessas pinturas, observa-se uma grande preocupação Realista, principalmente em Lascoux e Altamira.

Por outro lado, vemos vestígios em lugares e tempos sobre a preocupação Simbólica. Portanto podemos dizer que a representação dita artística está presente na atividade humana e de acordo com as formas de organização social, ela preenche funções diferenciadas. Ela serve para validar crenças, criar expectativas, coadjuvar estruturas sociais.

Ao observarmos a extensão histórica da cultura em geral, detectamos uma acentuada preocupação humanista em dois períodos: o Clássico Grego e a Renascença Italiana, que poderíamos resumir como um Idealismo Realizado. Isto, se materializado na preocupação de ver a representação a partir de cânones da beleza estética.

Michelangelo transformou-se num gênio; fragmentam-se as ideologias do corpo social e os conhecimentos que deram curso às especificidades científicas.

Suave e sem formas angulares convencionou-se ser o adolescente, a forma humana ideal de beleza. Os adolescentes de Caravaggio são as representações mais perfeitas dessa forma de Realismo.

Caravaggio, (Milão, Itália, 1571- Porto Ercole, Itália, 1610). Amor Vincit Omnia, 1601-1602. óleo sobre tela 156 x 113 cm. Gemäldegalerie, Berlim.

Buscando formas diferentes de se expressar, Leonardo Da Vinci gostava de desenhar figuras deformadas ou feias como forma de beleza.

Portanto, podemos dizer que nesta busca incessante de uma beleza hipoteticamente inatingível, há uma  ultrapassagem dos limites do real, postura que perdurou até o período Romântico, em variantes, donde se preconizou a exacerbada forma dos antigos conceitos dados aos sentimentos, a emoção.

O Romantismo determina o fim dos limites estabelecidos pelos cânones, antevendo nossos rumos. É nesse estado de espírito que a história se reescreve e onde os valores assumem colorações especiais.

Com isso, outras formas de representações se abrem e se apresentam como opções diametralmente opostas, configurando um Romantismo Impressionista ou Expressionista.

Anita Malfatti (São Paulo, SP, 1889-Idem, 1964), a boba, 1915-16. Óleo s/ tela (61×50,5). Col. Museu de Arte Contemporânea/ MAC/USP.

Os criadores continuam buscando novas técnicas para obterem a representação desejada.  Os antigos valores centrais são anarquizados. Vemos então, tendências e escolas se distanciarem umas das outras.

Surgem as novas representações visuais e nesse contexto estão a fotografia e o cinema, por sua vez, interconectam experiências e linguagens.

Desta fragmentação decorre uma diluição da antiga presença humanista que paulatinamente perde espaço para uma presença virtual. Os sistemas globalizados determinam formas de representações ostensivas e com inevitável saturação visual.

As dúvidas existenciais cedem lugar às certezas visuais. Veem-se empobrecidos os antigos meios de questionamentos, cedendo lugares a caminhos programados. A arte visual, como forma de representação se torna obsoleta e imperfeita para atender este novo homem virtual. Pois era justamente essa imperfeição humana da arte que media com o homem existencial.

O encontro nas cores: Gontran Guanaes Netto e Julio Le Parc

Por Gisèle Miranda

O poema Cores da Esperança foi escrito por Julio Le Parc (1928-), em 2002, para Gontran Guanaes Netto (1933-2017), em seguida, foi apresentado por Guanaes Netto dedicado a Le Parc – uma inversão na escrita com a abdicação do ‘eu’. Postura construida ao longo de suas particiações em Coletivos Artísticos com comprometimento político em prol do ‘outro’.

Le Parc tornou-se cidadão de dupla nacionalidade franco argentino em função de suas atividades artísticas. Anterior aos trabalhos e amizade com Gontran, Le Parc recusou-se a participar da Bienal de Arte de São Paulo, em 1964, em protesto ao golpe militar no Brasil.

Gontran tornou-se franco brasileiro. Depois de algumas prisões conseguiu sobreviver e partiu para o exílio, em 1969. Em Paris conheceu seu amigo de Cores da Esperança. Lá, foram membros fundadores da Brigada Internacional Anti-fascistas.

As cores (Luz) da Esperança

Quando o ser humano vem a ser cores,

Quando a cor vem a ser forma humana,

Quando o ser humano este ligado à terra,

Quando o camponês da terra faz brotar seus frutos,

Quando estes frutos são usurpados,

Quando esta usurpação gera a miséria,

Quando esta miséria gera revolta,

Quando esta revolta é reprimida,

Quando esta repressão obedece a uma ordem,

Quando esta ordem é a ordem dos outros,

Quando estes outros acrediam ser proprietários do mundo,

Quando este mundo se mundializa em detrimentos da maioria,

Quando esta maioria, eles os camponeses, vem a ser os  ‘Damnés de la Terre’.

Quando Netto (Le Parc) com sua caixa de cores está presente,

Quando eles ‘ Les Damnés de la Terre’, estes camponeses (desaparecidos) brasileiros (argentinos), mesmo na pior situação, carregam neles, extremamente e internamente suas cores,

Quando suas cores são aquelas da dignidade,

Quando suas cores são aquelas da luta,

Quando suas cores são aquelas da esperança,

Quando suas cores são aquelas da alegria que não se deve apagar,

Quando na caixa de cores de Netto (Le Parc) passa a ser ativa,

Quando suas cores passam a ser militantes, mas autônomos, elas fazem sua revolta,

Quando esta revolta em cores vai ao encontro da justa revolta ‘ Damnés’,

Quando a mesma não passa pelo miserabilismo, nem pela obscura e sombria derrota, nem pela prostração e aniquilamento, mas sim

Pelo desejo e o direito à vida – As cores estão presentes,

Quando estas cores estão presentes no olhar de Netto (Le Parc), no seu coração, na sua primeira sensibilidade, na sua cabeça

Que põem em ordem, as cores passam a ser forma e fé no homem,

Quando tudo que está ancorado no mais profundo de seus ‘ Domnés de la Terre’ e no Netto- Le Parc, Pintor – homem, é evidente que venha a ser figuração,

Quando estão pela intermediação de Netto-Le Parc, com esta forte presença – cor, nós não podemos nos esquivar e nós somos também fortemente envolvidos,

Quando esperança não desaparece, quando a esperança cresce os quadros de Netto permanecem.

Julio Le Parc. Série 14-5E. Acrylico sobre lienzo 171 x 171 Cm, 1970.

Gontran Guanaes Netto. Os donos da terra (Série de doze pinturas dedicado a Le Parc, 2002-2011. Óleo sobre tela, 100 x 100 cm
2011. Óleo sobre tela, 100 x 100 cm.

BIENAIS DE ARTE DE SÃO PAULO (salve, Basquiat)

Por Gisèle Miranda

Minha intenção com este texto é problematizar alguns acontecimentos da 28ª Bienal de Arte de São Paulo. Tais como: a abertura oficial da Bienal; um dos andares da exposição sem obras gerou a frase ‘Bienal do vazio’ e a pichação ou Pixo que ocorreu dentro do prédio.

Porém, o percurso que farei remete a 1ª Bienal de Arte de 1951, na época, em um local adaptado. Ano em que foi pela segunda vez empossado o presidente Getúlio Vargas (1882-1954), pelas mãos de seu antecessor presidente Gaspar Dutra (1883-1974).

Vargas historicamente ficou conhecido como um ‘nacionalista’ de práticas ‘populares’ e ‘populistas’ (criação da carteira de trabalho, o aumento de 100% do salário mínimo, ‘o petróleo é nosso’, entre outros). Mas, por outro lado, cometeu o inesquecível e inequívoco apoio ao Fürer através do ato de deportação a Alemanha de Olga Benário Prestes (1908-1942), grávida do então, ‘cavaleiro da esperança’ Carlos Prestes (1898-1990). Olga foi entregue ao nazismo e assassinada – uma dos seis milhões de judeus assassinados na história do holocausto.

Não perdi o fio Ariadne, apenas faço um leve apanhado histórico do entorno da 1ª Bienal e o destaque do ‘nacionalismo’ que aludia o governo na contra mão dos questionamentos levantados para a Bienal pelo organizador da mesa redonda, Flávio de Carvalho (1899-1973), arquiteto, pintor e performer que participou do Modernismo, em 1922.

Performance de Flávio de Carvalho: traje tropical, 1956.

As discussões tomaram corpo via questões:

a) por que sob auspícios dos ‘autoritários’ e já ultrapassados ‘modernistas’?

b) Arte de grã-fino?

c) Qual o significado da Bienal?

d) Será que obra realizada por um louco é arte?

e) Arte figurativa ou abstrata?

As questões acima geraram muitas polêmicas e até mesmo ‘tapas’.  Os antigos ‘modernistas’ foram massacrados. E, sobre a questão arte de ‘louco’ ou pessoas com problemas psíquicos se  poderiam ser artistas, chamo à discussão, o trabalho pioneiro no Brasil da psiquiatra junguiana Nise da Silveira (1905-1999), que respondeu com resultados indiscutíveis, fechando assim, não uma questão, mas discutindo o preconceito. Vieram Emygdio de Barros (1895-1986), Raphael Domingues (1912  – 1979 ), entre outros; e se não bastasse, o divino Arthur Bispo do Rosário (1909-1989).

Arthur Bispo do Rosário com seu manto bordado s/d

Sobre figurativo ou abstrato houve reverberação na nova geração de artistas de 1951, que ficou dividida em dois grupos manifestos: o ‘Ruptura’ encabeçado por Waldemar Cordeiro (1925-1973), Abstracionista, Concretista. Versus o ‘manifesto contra o manisfesto’ ou o segundo grupo – ‘Consequência’ -, cuja participação de Gontran Guanaes Netto (1933-2017), figurativo e de comprometimento político.

A segunda Bienal continuou rançosa, pois perdurava o questionamento sobre o significado da Bienal. Problemática que ficou em segundo plano já que o importante foi associar a Bienal aos festejos do IV Centenário de São Paulo, ou seja, em 1954, ano do suicídio do então presidente Getúlio Vargas.

As Bienais percorreram tempos em que seu significado ficou restrito. Tempos adversos, tempos de ditadura militar em que o artista Cinético e alquímico Julio Le Parc (1928-), protestou com sua recusa na Bienal de 1964. Tempos de reabertura democrática, ‘diretas já’, ‘impeachment’, enfim, tempos em que a arte tomou a dianteira e assumiu sua potência política.

Nada de bola de cristal, mas a natureza indomável ou insubmissa coragem de compor os tempos sendo sua própria vanguarda e ao mesmo tempo, em um necessário olhar ao passado para justificar sua existência e seu indiscutível fascínio de criar, tocar nas feridas silenciadas e nas consciências. De criar um possível diante das impossibilidades.

Grafite ou Graffiti, Pichação ou Pixo

Paralelo a 28º Bienal, o Memorial da América Latina expôs um ‘novo muralismo latino-americano’, via trabalho de grafiteiros, em diapasão nominal dos pichadores. A curadoria dessa exposição foi do grupo comando da Galeria Choque Cultural (B. Ribeiro/ M. Martins/ E. Saretta).

Vejamos o que disse a galeria sobre o tema:

“Numa visão simplista, costuma-se associar a pichação ao vandalismo inconseqüente… enquanto os graffiti seriam obras de arte, realizadas com autorização e competência… Mas, na verdade, não existe uma linha clara que separe o graffiti da pichação.
A pichação é uma forma de comunicação marginal, cultuada por estudantes do mundo inteiro, durante os anos ‘60 e ’70… ‘Abaixo a repressão’… Quanto aos museus, melhor do que tentar colocar a cidade dentro deles, seria abri-los para a arte que acontece a sua volta.”

Em 2008, a Galeria Choque Cultural foi pichada e algumas obras danificadas. A Galeria foi vítima de um ‘protesto contra a comercialização de obras das ruas’. Pouco tempo antes, o Centro Universitário Belas Artes foi pichado por um aluno que imprimiu na sua atitude ou vandalismo (como foi divulgado pela mídia), a proposta de seu trabalho de conclusão de curso.

Entrada da Galeria Choque Cultural, 2008.

Em 2008, na 28º Bienal de Arte sob curadoria de Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen – ‘em vivo contato’,  a Bienal foi pichada justamente no segundo piso que ficou propositalmente vazio, dando o apelido de ‘Bienal do vazio’, segundo a proposta da curadoria, visava promover ‘uma reflexão sobre o sistema das Bienais’ priorizando a ‘arquitetura’ para ‘romper com o tradicional’.

Pichação no prédio da Bienal, 2008

Antes da abertura oficial da 28º Bienal, de praxe, as discussões bem pontuadas: para que a Bienal? Para quem? Com convidados palestrantes houve um apanhado sobre todas as Bienais.

Destaco por escolha muito oportuna, o encontro que se deu em 18 de setembro de 2008, com a presença do crítico de arte Alberto Tassinari e o artista José Resende que em lugar da fala preferiu o silêncio, antes fez um pedido ao cinegrafista: – filme a platéia! Apesar de serem oradores de renome e essas atividades divulgadas em jornais de grande porte, a platéia estava vazia. No máximo 15 pessoas contando com o quadro organizacional.

A ‘Bienal do vazio’ se deu anterior ao vazio oficial, e independente da arquitetura magnífica de Oscar Niemeyer.

A pichação na tênue linha de ser arte ou não – não foi tênue e muito menos novidade.

Salve, Basquiat! E que venha Bispo do Rosário!

J. M. Basquiat, (1968- 1988).

Referências:

AMARAL, A.  Arte para quê? A preocupação social na arte brasileira 1930-1970. São Paulo: Studio Nobel, 2003.

BASQUIAT (filme). Dir. Julian Schnabel, EUA, 1996, 106 min., color., son., leg. português (http://www.miramax.com/basquiat) (imperdível David Bowie como Andy Warhol)

GULLAR, F. Etapas da Arte Contemporânea: do cubismo à arte neoconcreta. Rio de Janeiro: Revan, 1999.

Filme Nise da Silveira Nise, o coração da loucura.

Documentário de João Wainer e Roberto Oliveira – PIXO http://www.youtube.com/watch?v=KHVwEq97ukg

Documentário de Vladmir Seixas http://www.youtube.com/watch?v=UHJmUPeDYdg