A Edna é uma pernambucana séria e consequente! Absolutamente séria! A Edna tem autonomia política para me representar porque ela encontra todo mundo (…) ela também pinta. É autêntica… ela tem uma pintura ingênua. (Gontran Netto, áudiovisual 8 jan. 2003)
A historiadora Edna Prometheu sempre esteve na boa memória do artista Gontran Netto como uma mulher de luta que o representou e ao Grupo Denúncia ao expor o conjunto de pinturas Sala Escura da Tortura.*
Edna esteve no comando da Sala Escura da Tortura no Fórum Social em Porto Alegre em 2003 e 2005, posteriormente foi para o Museu do Ceará em Fortaleza, em seguida para o Memorial da Resistência de São Paulo (antigo DOPS) até acompanhar a Comissão Nacional da Verdade do Brasil (2011 a 2014). Sem contar as intervenções da potente Edna no meio político, sensibilizando, debatendo, educando através da História e da Arte.
A pintura abaixo é parte de Sala Escura da Tortura e mostra a violência às mulheres presas durante as ditaduras civis e militares da América Latina – seguido dos estupros: a mais antiga arma de guerra.
Figura 1: Sala Escura da Tortura – obra coletiva realizada em 1973, em Paris, pelo Grupo Denúncia, criado por quatro pintores antifascistas: o argentino Julio Le Parc (1928-), o brasileiro Gontran Guanaes Netto (1933-2017), o uruguaio José Gamarra (1934) e o espanhol Alejandro Marcos (1937-).
Para que as exposições acontecessem, a historiadora precisou articular muito, cavar espaços e propor conteúdos. Ela também exerceu ações com o Movimento Sem Terra, o MST; em uma das vezes levou o amigo-artista Gontran Netto que doou uma pintura “anonimamente”. Durante as entrevistas com Gontran de 2002 a 2007 (e a convivência até 2016), ele ratificou a importância de Edna nas lutas atuais e emergenciais e que foram revertidas em temas para suas pinturas, tal como o mural Populações, ressaltando a importância do MST.
Figura 2: Gontran Guanaes Netto, Populações (detalhe), 2001-2003. Óleo sobre tela, 2m x 2m. Arquivo GGN/GM.
Edna enfrentou a misoginia, o machismo e ameaças aquém da ignorância atiçada pela política all right. Ela sempre foi uma combatente e não baixou a guarda nem para viver sua história de amor com o cantor e compositor Belchior (1946-2017). Os ataques vieram em julgamentos que a repudiaram como intelectual colocando-a em um patamar de ojeriza para ser a companheira de Belchior – como se o artista (filósofo) fosse uma marionete. Oras, “não preciso que me digam de que lado nasce o sol, porque bate lá meu coração” (Belchior, Comentários a respeito de John, 1979)
Figura 3: Edna Prometheu e Belchior. Imagem: Jarbas Oliveira/Folhapress s-d.
Edna foi alvejada de acusações, manipulações e doutrinações enquanto companheira de Belchior e após a morte dele. A misoginia preponderou e armou uma cilada concomitante ao cenário político do golpe que tirou a presidenta Dilma Rousseff (2016). O coro de impropérios dilacerou duas grandes mulheres. Por mais que elas tenham resistido suas entranhas foram sendo carcomidas, mas regeneradas dia a dia pela Memória e pela História – embuidas de lutas em prol da civilização e cultura, tal como o mito de Prometheu. Não foi à toa que Edna Assunção de Araújo tornou-se Edna Prometheu, sobrenome artístico que cunhou ao longo de sua jornada à condena por emanar a liberdade e o amor visando as artes e as ciências.
Prometheu de Ésquilo, George Byron, Johann Schlegel, Beethoven ao “Prometheu mal acorrentado” de André Gide embalam na poética de Belchior:
(…) Anjo, herói, Prometheu, poeta e dançariano. A glória feminina existe e não se faz em vão! E se destina à vida, ao gozo, a mais do que a imaginação o louco que pensou a vida sem paixão… (Belchior, Primeira Grandeza, 1987.)
O Angelus Novos do Porvir, aquele que olha a diante e se apropria do real e o metamorfoseia. (NEGRI, 2001, p. 17)
Radha Abramo (1934-2013) foi uma crítica de arte brasileira, historiadora, militante pela liberdade de expressão, pela história e pela arte em ação política. Junto com o jornalista Claudio Abramo (1923-1987), seu marido, foram presos políticos em 1975, mesmo ano do assassinato do amigo também jornalista Wladmir Herzog (1937-1975), durante a ditadura civil e militar do Brasil, no governo de Ernesto Geisel, de 1974 a 1979.
Radha e Claudio resistiram alguns anos mas saíram do Brasil retornando em 1985, quando o gal. João Figueiredo, de 1979 a 1985, realizou a transição política sem eleições diretas. A Comoção das ‘Diretas Já‘ foi suprimida naquele momento, mas tornou-se uma histórica manifestação agregada ao retorno dos exilados políticos, ou seja, os primeiros passos depois de 21 anos de ditadura. Assim, retornaram o casal Abramo, Gontran Netto, “o irmão do Henfil e tanta gente que partiu…”(*)
Em 1985, houve a disputa entre o filho pródigo da ditadura militar Paulo Maluf e o oposicionista Tancredo Neves que venceu mas não assumiu porque veio a óbito assumindo seu vice José Sarney, de 1985 a 1989. Abaixo, uma crítica sarcástica sobre esse momento reverberando Maquiavel através de Gontran Netto, o pintor amigo de Radha, acolhido pela marchand do exílio ao retorno.
Se considerarmos que Maquiavel nos seus conselhos ao príncipe sugere o seguinte: para preservar o seu poder faça uma guerra ao seu primo, seu rival potencial. Pra isto, nomeie um general competente que ganhará a guerra e se tornará um herói. Faça com que ele seja morto por um assessor. Enforque este assessor. Faça um enterro apoteótico ao general heroi nacional. Em seguida nomeie um ministro civil comprometido com todas as fraquezas do sistema. Assim ele será permanentemente dependente de sua tutela. Ocorrendo isto terá um reinado estável e permanente. (Gontran Netto, áudio, 2007)
A historiadora encontrou no artista Gontran Netto recursos pictóricos com conteúdo necessário sobre questões que lhe eram caras demais, tais como a Democracia, os Direitos Humanos, repúdio as ditaduras, as torturas e as prisões em uma linguagem de luta expressa à Educação. Desde então, Radha passou a acompanhar e a escrever sobre a arte de Netto como aulas de História, Arte e Política.
Ele tem uma vocação política que emerge de seus pincéis (…) transformados através da arte em uma ação futura. A “ação futura” é vislumbrada na obra e Gontran, do presente de luta para que o passado seja tratado dos males de sua história de violência, usurpação e de silêncio. As pinturas, os desenhos, as gravuras de Netto, conseguem debater o que de pior vem acontecendo. (ABRAMO, Radha. Manuscrito, Paris, ago. 1982)
Gontran Guanaes Netto (1933-2017)
Gontran Guanaes Netto (1933-2017)
Gontran Guanaes Netto (1933-2017)
Gontran Netto (1933-2017)
Gontran Guanaes Netto (1933-2017), 1989 A liberdade guianando o povo, 1989.
Gontran Guanaes Netto (1933-2017),
´Sala Escura da Tortura´- trabalho coletivo: Gontran Guanaes Netto, Julio Le Parc, Alejandro Marco, Jose Gamarra.
Gontran Guanaes Netto, desenho ou escrita, s/d
Gontran Guanaes Netto, desenho/escrita, Série Figuras do Real, 1980
Gontran Guanaes Netto, 2001
Gontran Netto. Carlos Marighela 1969-1971.
Em maio de 2000, ela o destacou pela trajetória como professor de História da Arte:
Com cada turma que se formava (…) Para Gontran, parece-me, as condições objetivas e subjetivas configuradas em situações teóricas e/ou práticas, reviram-se, alimentavam-se uma das outras (…) no sonho do revolucionário e o bem querer do artista. (ABRAMO, Radha. Manuscritos, 2000)
Radha também esteve com ele quando foi encontrada uma pintura no Ministério da Agricultura, cogitada ser de Portinari ou de um dos seus assistentes e Gontran havia sido assistente de Portinari.
Houve a esperança de reconstruir a tela, mas o senhor Bardi e o Magalhaes disseram que não era do Portinari. Eu avaliei porque a Radha me disse que poderia ser meu ou do Luiz Ventura (…) esse quadro me fez rever o Portinari, as influências culturais contra o Portinari. (…) O Portinari se deu num processo de imigrantes, da região do café, da terra. Da terra nasceu um artista, refletindo esse estado do ser (…) ligado aos muralistas mexicanos e vedado pelo marcathismo (…). Bom, acharam que eu queria ganhar um dinheirinho fácil sobre um falso Portinari. Não houve restauro. Nem importa de quem era, mas merecia o restauro. (GGN, áudio, 9 mar. 2003)
A crítica de arte, em sua escrita sobre o artista, desde 1982, deixou um recado válido aos dias de hoje no Brasil:
“Se os museus brasileiros não tiveram ainda a honra de receber os quadros de Gontran, não importa. Cuba, o faz por eles.” (ABRAMO, Manuscrito, Paris, ago. 1982)
Gontran Netto e Radha Abramo. São Paulo, 2006.
Os textos de Radha são intensos para a sua geração e de vanguarda nos dias atuais. A mesma geração de Gontran em meio as arbitrariedades do Estado, das prisões, torturas e assassinatos. Invariavelmente de conflitos intensos sobre a condição de exilados. Falar sobre exílio é mesclar a infelicidade às tentativas de antídotos. Tema do qual Gontran e Radha vinham buscando entender, por isso foram ao encontro de Jacques Derrida (1930-2004) e Antonio Negri (1933-2023), ambos exilados.
Apesar de todo o processo de inclusão, de produtividades afetivas no exílio, Gontran, Radha, Negri, entre outros, projetaram e refletiram sobre as expectativas do desejo de retorno – o exílio está sempre em órbita porque é um “não lugar”. Ou como bem disse outra exilada, em um contexto histórico mais recente, contudo, interligado pela falta de Memória e História à fragil Democracia.
O exilado perde a pátria, perde seu território, sua língua e sua pertença concreta. O exilado rompe o fio que o ligava à vida (…) O exílio confunde o estado político de exceção com o estado existencial de exceção quando a pessoa mesma já não existe (…) O exílio exige uma fuga perfeita, mas não há refúgio ou esperança para nós (…) O exílio é um estado de desterro para alguns no presente, um estado absoluto para todos no futuro. (Marcia TIBURI. Exílio. In: Instagram, 28 dez. 2021)
No entanto, a resistência política traz “a reflexão prática sobre o exílio” e “a relação entre valores e afetos”:
Falar de valores e afetos significa escavar no marxismo e na teoria do materialismo histórico até o ponto em que a produção de valor, ou melhor, a expressão do trabalho vivo, traz à tona, com a corporeidade do sujeito, sua inteira constituição mental e afetiva. (NEGRI, 2001, pp. 9-10)
(*) O bêbado e a equilibrista, de Aldir Blanc (1946-2020) e João Bosco (1945-) lançada na voz de Elis Regina (1945-1982), hino da anistia aos presos políticos, em 1979.
Julio Le Parc (1928-) é um artista Cinético. Ele incorporou sua “alquimia” aos estudos de László Moholy-Nagy (1895-1946) e a teoria de Alfréd Kemény (1895-1945) e fertilizou a Arte Cinética, trinta e oito anos depois com a criação do GRAV – Groupe de Recherche d´Art Visuel, em 1960, dos quais foram membros: Horacio Garcia-Rossi (1929-2012), François Morellet (1926-2016), Francisco Sobrino Ochoa (1932-2014) e Jean Pierre Yvaral (1934-2002).
1. Os membros do GRAV – Le Parc, Stein, Garcia Rossi, Sobrino, Morellet, Yvaral- Dortmund, 1968. 2. GRAV, Une journée dans la rue avec Pierre Restany et Otto Hahn, performance/instalação, 1966. In: http://www.julioleparc.org/g.r.a.v.html
As experiências foram observadas em temporalidades e técnicas justapostas. Da importância do ‘ar’ através dos móbiles de Alexander Calder (1898-1976) nos anos de 1950, em meio a fabricação de brinquedos para resgatar o lúdico pela fonte de energia natural e com as cores de Piet Mondrian (1872-1944) e Joan Miró (1893-1983). Nessas metamorfoses foram criadas as intervenções vibratórias, a energia (seja natural ou não), do pictórico ao escultural de Jesús Rafael Soto (1923-2006), Carlos Cruz-Diez (1923-2019), Liliane Lijn (1939-), Martha Boto (1925-2004), entre outros, até Le Parc interferir com sua premissa da Luz – seus efeitos e as intervenções transformadas em parcerias anônimas de pessoas que vão ao seu encontro. Ou seja, uma parceria ativa de “forças que se desenvolvem por iniciativa própria” (STANGOS, 1981, p.153) até a abdicação do ego em prol dessa parceria.
Julio Le Parc, Continue lumière cylindre, 1962 / 2012. madeira, metal, luz 460 x 102 cm + caixa 40 x 40 x 40 cm. In: Galeria Nara Roesler. Disponível em: https://nararoesler.art/exhibitions/14/
São vieses que obviamente compõem leituras e questões associativas para a criação do conceito do GRAV, que primou pela interferência, conjugada a experiência do artista que cede o espaço para a criação em fluxos intensos e singulares – a imagem que surge com o movimento ou o movimento cria uma forma no espaço com as variantes inesperadas sob efeito da luz.
Le Parc não se eximiu de suas responsabilidades sobre as guerras do Vietnã e da Argélia. Ele viveu em Paris no auge de maio de 1968, em um momento histórico da França com as participações de intelectuais como Michel Foucault, Simone de Beauvoir, Jean Paul Sartre, Félix Guattari, Gilles Deleuze, entre outros – nas ruas, nas manifestações com os estudantes, exilados, operários e camponeses.
As premiações têm assinaturas importantes contra as ditaduras militares que assolaram a América Latina dos anos de 1960 a 1980. Contudo, ele foi percebendo que o GRAV, depois que conseguiu a consagração, não primou pelas causas necessárias que nunca abandonou.
Esse foi o momento em que Le Parc viu em Gontran Netto (1933-2017) uma parceria que se desdobrou no Grupo de Pintores Antifascistas e no Grupo Denúncia. O alquimista cinético quando precisou ser um Realista para retratar os torturados em Sala Escura da Tortura, o fez desde as fotos às pinturas sem ferir sua opção pela Arte Cinética ou sua essência geométrica e concretista.
Julio Le Parc prefere designar seus trabalhos de “Experiências ou Alquimias” e não, Obras. Suas Alquimias germinam na Arte Contemporânea e na Arte Conceitual, vindas de um processo desde jovem quando uma professora sugeriu para a sua mãe que o matriculasse em uma Escola de Artes.
O jovem argentino de Mendoza mudou para Buenos Aires, onde estudou e trabalhou para se manter. Pouco depois, entrou na Universidade de Artes em um período de grandes reformas do primeiro governo peronista, de 1946 a 1955. Os estudantes interferiram no processo educacional e mesmo sem recursos, chamaram artistas para implementarem uma nova estética no espaço acadêmico, assim como participaram do processo de seleção dos professores e a compor trabalhos com eles.
Lúcio Fontana teve um grande peso na formação de Le Parc como professor e amigo. Lúcio abriu espaços, além da pintura, através do geometrismo, do objeto e das cores. Depois, Le Parc fez experiências com eletricidade, montou e desmontou objetos até adquirir um olhar desde a Arte Concreta à Arte Cinética, a partir do coletivo GRAV.
Quando Le Parc consegui uma bolsa de estudos para se aperfeiçoar em Paris, logo se adaptou as movimentações da França frente às mudanças que reverberaram no início dos anos de 1960. Nessa época ele já havia se tornado um proeminente artista franco-argentino e a obter respeito que lhe valeu inúmeras exposições importantes e a premiação na 33α Bienal de Veneza, se sobrepondo, no auge da Pop Art, a Roy Lichtenstein, em 1966. (Julio Le Parc. In: 100 anos del Museo de la Cárcova, 21 set. 2021)
Vale lembrar que em 2016, Le Parc & Gontran Netto realizaram uma Conversa – do ateliê de Le Parc em Paris para alunos de Artes Visuais do Paraná (1), concomitante, a homenagem da Bienal de Curitiba 2015-2016 ao artista franco-argentino (2). Abaixo, duas intervenções nas alquimias de Le Parc.
Júlio Le Parc, Cloison à lames réflèchissantes (Partição com lâminas refletivas) com Letícia Vilela, jan. 2016, foto Sara Marques. Bienal de Curitiba.Júlio Le Parc (1928-), Cloison à lames réflèchissantes com Luana Mendes, jan. 2016, foto Mailara Mariana. Bienal de Curitiba.Julio Le Parc & Gontran Netto, 2016. Conversa com alunos – do ateliê de Le Parc em Paris para a Universidade Estadual de Maringá.
(1) Em fevereiro de 2016, Julio Le Parc & Gontran Netto nos deram a honra de uma “Conversa” na UEM – Universidade Estadual de Maringá. A proposta previa a interação dos alunos de Artes Visuais, Arquitetura, Moda, Design, História e Artes Cênicas da UEM. Mas infelizmente não nos foi concedido um espaço para tanto, reduzido para dez pessoas, além dos difíceis recursos tecnológicos adaptados ao ateliê de Julio Le Parc, em Paris (programa NEAD da UEM). Um dia antes da “Conversa”, o estúdio cancelou o nosso encontro, queseria em dezembro de 2015. Remarcamos, por fim, aconteceu em janeiro de 2016. No final, o responsável pelo estúdio “esqueceu de ligar a câmera”.
(2) Bienal Internacional de Curitiba 3/10/2015 a 14/02/2016 no Museu Oscar Niemeyer – Julio Le Parc foi o artista homenageado Bienal Luz do Mundo, curadoria geral de Teixeira Coelho.
LE PARC, meu mais fiel e melhor amigo. Ele é o maior inimigo dos meus defeitos e dos meus fantasmas (…) Nós estávamos com a pretensão de poder um dia ver o mundo mudar em benefício dos deserdados. Algumas vezes nós conseguimos alguns resultados e deixamos a nossa marca sobre coisas concretas como o Museu da Palestina, Museu da Nicarágua, Museu Contra o apartheid, Museu Salvador Allende e etc. (GGN, áudio visual, 7 jan. 2005)
O pintor Gontran Guanaes Netto (1933-2017) e o amigo alquímico Julio Le Parc (1928) tiveram uma parceria por quase meio século, de 1970 a 2017. Seus trabalhos são distintos, mas suas cores se encontraram na luta antifascista e anticolonialista.
Fig. 1: Julio Le Parc e Gontran Guanaes Netto, Paris, década de 1970.
De 1970 a 1985, estiveram diariamente em Coletivos de Pintores Antifascitas e em inúmeras viagens para exposições coletivas em outros países: exposições com caráter estético-político. Destaque para as ações de protestos na Bienal de Veneza, em 1972-1973: Fundamos, a convite da Bienal de Veneza, a Brigada Internacional de Pintores Antifascistas. (GGN, manuscrito, 2010) O ano de 1973, foi de consternação pelos golpes militares no Uruguai e em seguida no Chile.
Quando Gontran retornou ao Brasil, em 1985, na abertura democrática brasileira, não houve estremecimento na amizade porque a maturidade foi construída – eles ficaram sete anos distantes Mas, por que Gontran voltou ao Brasil no auge de sua carreira na França? Voltou “para impor – pela força de um ato de testemunho” (NEGRI, 2001: 17) O retorno ao Brasil teve a coerência das ações políticas em parceria com Le Parc.
Le Parc saiu de Paris e por um dia que esteve em São Paulo foi direto para o meu ateliê… Le Parc é um argentino irônico, cético e racional, mas quando se abalava dava lugar a um lado sensível. Eu era mais sensível e intuitivo, mas sempre utilizando argumentos e exemplos concretos… às vezes, a obra se empalidecia para justificar os dogmas aleatórios, mesmo com toda a capacidade de trabalho. (GGN, áudio visual, 7 jan. 2005)
O reeencontro se deu em 1992, depois eles não se permitiram mais o distanciamento. Mantiveram-se em contato através de ligações e algumas viagens entre o Brasil e a França. Também, muitas reminiscências ratificando o laço forte dessa amizade. Em 2002, o amigo argentino dedicou-lhe o poema Cores:
As cores da Esperança
Quando o ser humano vem a ser cores, Quando a cor vem a ser forma humana, Quando o ser humano este ligado à terra,
Quando o camponês da terra faz brotar seus frutos, Quando estes frutos são usurpados,
Quando esta usurpação gera a miséria, Quando esta miséria gera revolta, Quando esta revolta é reprimida,
Quando esta repressão obedece a uma ordem, Quando esta ordem é a ordem dos outros,
Quando estes outros acreditam ser proprietários do mundo, Quando este mundo se mundializa em detrimentos da maioria,
Quando esta maioria, eles os camponeses, vem a ser os ‘Damnés de la Terre’.
Quando Netto (Le Parc) com sua caixa de cores está presente,
Quando eles ‘ Les Damnés de la Terre’, estes camponeses (desaparecidos) brasileiros (argentinos), mesmo na pior situação, carregam neles, extremamente e internamente suas cores,
Quando suas cores são aquelas da dignidade, Quando suas cores são aquelas da luta, Quando suas cores são aquelas da esperança,
Quando suas cores são aquelas da alegria que não se deve apagar, Quando na caixa de cores de Netto (Le Parc) passa a ser ativa,
Quando suas cores passam a ser militantes, mas autônomos, elas fazem sua revolta, Quando esta revolta em cores vai ao encontro da justa revolta ‘ Damnés’,
Quando a mesma não passa pelo miserabilismo, nem pela obscura e sombria derrota, nem pela prostração e aniquilamento, mas sim
Pelo desejo e o direito à vida – As cores estão presentes,
Quando estas cores estão presentes no olhar de Netto (Le Parc), no seu coração, na sua primeira sensibilidade, na sua cabeça
Que põem em ordem, as cores passam a ser forma e fé no homem,
Quando tudo que está ancorado no mais profundo de seus ‘ Domnés de la Terre’ e no Netto- Le Parc, Pintor – homem, é evidente que venha a ser figuração,
Quando estão pela intermediação de Netto-Le Parc, com esta forte presença – cor, nós não podemos nos esquivar e nós somos também fortemente envolvidos,
Quando esperança não desaparece, quando a esperança cresce os quadros de Netto-Le Parc permanecem.
Ao ler o poema em voz alta, os olhos de Gontran que já eram grandes ficaram ainda maiores. Riu e lacrimejou ao rememorar o amigo que o chamava de “brésilien, mangeur de banane”. Em seguida lembrou de outra intervenção de Le Parc ao pedir-lhe que escrevesse um texto para uma publicação e respondendo ao seu próprio pedido com a seguinte ironia:
Se você estiver muito velho, sem condições de escrever eu sugiro o texto que eu fiz sobre você {O poema Cores}. A gente troca onde está escrito ‘para Netto’, você coloca ‘para Le Parc’.
Fig. 2: Gontran Guanaes Netto. Os donos da terra (homenagem a Julio Le Parc) Série de doze pinturas, 2002– 2011. Óleo sobre tela, 100 x 100 cm. Fig. 3: Julio Le Parc. Série 14-5E. Acrylico sobre lienzo 171 x 171 Cm, 1970.
– Veja Gisele,pelo texto e a significação do texto é um dos maiores elogios que eu já tive, porque mostra que o texto serve parar mim e para ele.” (GGN, áudio visual, 7 jan. 2005)
Fig. 4: Julio Le Parc e Gontran Guanaes Netto. Ao fundo uma serigrafia de Le Parc baseada em uma pintura de Gontran Netto. França, 2014.
De 1985 a 2010, Gontran viveu no Brasil. Às vesperas de seus 78 anos ele decidiu voltar a França, também para estar ao lado do amigo Le Parc. Pouco antes de sua partida escreveu “autobiografia de um artista bem sucedido”:
A proximidade dos meus 80 anos e na circunstância do meu retorno a França, sinto- me obrigado a remover a Casa da Memória (*) para outro local. Foi necessário dar uma nova ordem a apresentação dos quadros. Eles marcaram tomadas de posições sobre acontecimentos diversos, tais como: o neocolonialismo 1970-1973, Chile, Vietnã, imperialismo, Palestina, racismo, etc. (…) Ao mesmo tempo me vejo retornando a França com entusiasmo redobrado e com a pretensão de continuar oferecendo novas perspectivas e enriquecer os mesmos objetivos. (GGN, São Paulo, 15 de outubro de 2010)
Em 2017, aos 84 anos. Gontran Guanaes Netto faleceu em Cachan, França.
(*) Gontran abriu a sua Casa-Ateliê aos jovens estudantes de 2007 a 2010, transformando-a em Casa da Memória Coletiva, entre 2007-2008.
Ninguém será o mesmo depois de ter contemplado os quadros de Netto (…) se é poderoso abalará seu poder. Se é alienado sairá modificado. Se é alguém comprometido com a História, reafirmará sua posição e seu engajamento. Ele se comunica com todos (…) mas a obra não se comunica com os vencidos pois estes já perderam os olhos para ver as cruezas e as belezas da vida.As figuras humanas da obra de Gontran são reais – São seres humanos do Brasil, do Paraguai, da Bolívia, da Venezuela, do Chile, do Peru, da Colômbia, da África (…) Meus Deus, nós os vemos por toda a parte onde a riqueza está retida nas mãos de uma elite. (ABRAMO, Radha. Manuscrito, Paris, ago. 1982. Arquivo GGN/GM)
Em 1978, Gontran Netto (1933-2017), Julio Le Parc (1928-), Roberto Matta (1911-2002), Claude Lazar (1947-), entre outros artistas, realizaram a exposição International Art Exhibition for Palestine no Líbano durante a guerra civil (1975-1990), na Universidade Árabe de Beirute sob curadoria da artista Mona Saudi (1945-).
A pintura que Gontran doou foi destruída em 1982, em Beirute. Os bombardeios destruíram parte do local em que estavam algumas obras para a criação do Museu de Resistência da Palestina.
Gontran Guanaes Netto. Série Neocolonialismo, 1978-1986. Óleo sobre tela, 110,0 x 0,90 cm. Arquivo GGN/GM. Obra destruída em 1982.
Em 2015, o Museu de Arte Contemporânea de Barcelona, MACBA, realizou uma exposição sobre a International Art Exhibition for Palestine de 1978. A exposição Desassossego do Passado, curadorias de Rasha Salti e Kritine Khouri, foi a partir de narrativas da “história perdida da exposição de 1978.” De Barcelona, a exposição seguiu para Berlim em 2016; “em 2017, Roma, Paris, Cidade do Cabo, Tóquio, Chile e Beirute”. (Institute for Palestine Studies, 27 nov. 2015)
Na década de 1980, Gontran se engajou contra o racismo através da exposição coletiva denominada 100 artistes contra le racismo. Ele pintou a Série contra o Apartheid para a criação de mais um Museu de Resistência organizado pelos artistas Ernest Pignon-Ernest, Antonio Saura e pelo filósofo Jacques Derrida que escreveu o ensaio Racism’s Last Word denunciando o Apartheid sob as leis do Ocidentesem sanções ou embargos.
Gontran Guanaes Netto. Série contra o apartheid, 1980. Óleo sobre tela, 120,0 x 120, 0 cm. Acervo da família. Arquivo GGN/GM.
Durante esse movimento, a África do Sul institucionalizou o preconceito racial através de prisões, torturas e assassinatos, tendo consolidado a segregação desde 1947. Em 1993, uma nova Constituição levou, em 1994, à presidência da República da África do Sul, Nelson Mandela ou como era carinhosamente chamado, Madiba, preso injustamente por 27 anos.
Gontran Guanaes Netto. Série Neocolonialismo/contra o apartheid, década de 1980. Óleo sobre tela, 1,80 x 0,90 cm. Arquivo GGN/GM.
A arte do catálogo e do poster de Art contre/against Aparth ficou a cargo do artista gráfico Klaus Staeck. Todos os nomes dos participantes estão no entorno da representação do continente africano – os artistas solidários, exilados e apátridas.
Klaus Staeck. Capa do catálogo e do poster: Artistas do mundo contra o apartheid, Paris, 21 mar. a 16 abr. 1983. Galerie Maeght.
A primeira exposição ocorreu em Paris (1983), depois viajou para várias partes do mundo, representados por Pignon-Ernest, Antonio Saura, Joe Tilson, Roy Lichtenstein, Gontran Guanaes Netto, Julio Le Parc, Sol LeWitt, Christian Boltanski, Donald Judd, Robert Motherwell, Claes Oldenberg, Tom Phillips, Larry Rivers, James Rosenquist, Pierre Soulages, Robert Rauschenberg, Valente Ngwenya Malangatana, Paul Rebeyrolle, Gavin Jantjes, entre outros. Todo esse movimento visava a conscientização e apoio para que o apartheid fosse tratado como prioridade humanitária sem a cegueira dos líderes do mundo.
Em 1986 e 1987, mais duas exposição contra o Apartheid: ART contre/against APARTHEID, organizada pela L’Association Art et Culture contre l’Apartheid.
Paul Rebeyrolle. Apartheid is ugly. Litogravura, 1986. Acervo Museu do Apartheid Arquivo GGN/GM) Gontran Guanaes Netto. Série Art contre Apartheid II, 1983-1986. Óleo sobre tela, 1,40 x 1,0 cm.
“Eu sai da prisão… duas prisões, uma decorrente da outra. A primeira foi em setembro, a segunda em novembro de 1969. Assassinaram Marighella.” (GGN, áudio, 28 nov. 2002. Arquivo GGN/GM)
A primeira prisão do professor-artista Gontran Netto (1933-2017) se deu na sala de aula, na FAAP. A segunda no ateliê que dividia com José Roberto Aguilar (1941-) e Jô Soares (1938-2022). Na saída da segunda prisão recebeu o aviso que “na terceira não sairia com vida.”
Gontran Guanaes Netto (ou André), tríptico autorretratos de 1954-1964/ 1968-1969 e 1971-1972.óleo sobre madeira, 2 m x 1 m., 1972-1973. Acervo da Família/ Arquivo GGN/GM.
Gontran foi levado pela OBAN (Operação Bandeirantes) onde as torturas ficaram conhecidas ao extremo – “Bacuru” codinome do estudante Eduardo Collen Leite (1946- 1970) – torturas seguidas de mutilações. O momento limite foi na segunda prisão, no DOPS, fizeram-no sentar na “Cadeira do Dragão”.
Algumas horas depois de sua soltura, o artista deixou o Brasil, no intercâmbio presidencial de Costa e Silva a entrada de Emilio G. Médici, de 1969 a 1974.
José Ignacio Sampaio me propôs o seguinte: – Te pago a passagem, te levo até Viracopos e pronto. (…) Uma amiga, a Luiza Freire se encarregou do contrato de aluguel da minha casa, distribuindo minhas coisas entre os amigos (…) livros, discos, desenhos, pinturas. (…) passei a noite enterrando todo o material clandestino. (GGN, manuscrito, 2010. Arquivo GGN/GM)
Sem dinheiro sem falar francês e sem condições de trabalho (…) encontrei um amigo, o Luiz Hildebrando, cientista que trabalhava no Pasteur. Ele me perguntou: ‘e agora, o que você vai fazer!’ Disse a ele: o meu objetivo, dentro do possível, é ocupar um espaço onde eu possa atuar e desenvolver um trabalho contra as ditaduras. (GGN, áudio, 28 nov. 2002. Arquivo GGN/GM)
Ao sair do Brasil, Gontran viveu uma outra realidade, a França do presidente Georges Pompidou e a aliança com os EUA de Nixon. Visto por esse ângulo foram as estratégias políticas de apoio às ditaduras militares na América Latina, Neocolonialismo e o Apartheid – três dos pilares temáticos de sua pintura de 1969 a 1982.
Ao chegar em Paris lembrou que Antônio Henrique Amaral (1935-2015) havia lhe dito na noite anterior, no turbilhão de algumas horas antes do exílio, que o Arthur Piza (1928-) estava em Paris.
Havia abandonado as minhas filhas Lúcia (14 anos) e Cristina (11 anos). Desprovidas agora das condições econômicas (…) da presença física (…) estava vivendo a dor e a impotência (…) culpa por ter abandonado o país, ponderando que talvez pudesse ter sobrevivido na clandestinidade. (…) Não sabia bem o que dizer ao Piza … ele me disse: tem um hotelzinho aqui na esquina, leve esses 10 francos, tome um banho e descanse que o Francis virá buscá-lo. (GGN, manuscrito, 2010. Arquivo GGN/GM)
Sem saber se expressar para os amigos, cada dia sentia-se mais inseguro. Não parava de pensar, sentir medo e a recordar das prisões, dos gritos e das mortes. Depois de meses no exílio nesse “ir e vir dentro de situações de grande dramaticidade” (NEGRI, 2001, p.10), Gontran encontrou o escultor Construtivista Sergio Camargo (1930-1990):
Um fato decisivo para uma segunda fase de minha estadia na França: Sergio Camargo, artista carioca com prestígio em Paris me apresentou a Cité Internacional des’Arts (…) graças a esta apresentação fui aceito para uma estadia de um ano. (GGN, manuscrito, 2010. Arquivo GGN/GM)
Em Cité de’Arts ele se alinhou “aos Jovens Pintores, aos Pintores antifascistas, aos Pintores Latino-americanos em Paris”, enfim, um novo desafio com a segurança da infraestrutura e amizades. (GGN, áudio, 27 nov. 2002, fita II. Arquivo GGN/GM)
De imediato conheceu o já consagrado Julio Le Parc (1928-). Seus trabalhos são distintos, mas suas cores se encontraram na luta contra as ditaduras e o anticolonialismo. As exposições foram surgindo: duas exposições individuais em Paris. (1970 e 1974) e quatro coletivas, duas em Paris (1970 e 1972), uma em Nova York (1970) e outra em Havana (1973).
Passei a ser ouvido e respeitado, tanto nos meios intelectuais franceses como latino- americanos (…) participações em muitas exposições com caráter estético-político se multiplicaram. Fundamos, a convite da Bienal de Veneza, a Brigada Internacional de pintores Antifascistas. (GGN, manuscrito, 2010. Arquivo GGN/GM)
Por causa do estupro cometido pelos torturadores, eu fiquei grávida e abortei na cadeia. Sofri choques elétricos, fui pendurada, posta no pau de arara, “submarinos” [ameaça de afogamento], simulação de fuzilamento, queimaduras com charutos (…) sofri estupro e assédio sexual com cães, a introdução de ratos vivos pela vagina e todo o corpo.
&
Obrigaram-me a ter relações sexuais com meu pai e irmão que estavam detidos. Também a ver e escutar as torturas de meu irmão e pai. Puseram-me na churrasqueira, fizeram cortes com facão na minha barriga. Eu tinha 25 anos.
(Relatos à Comissão da Verdade do Chile, 1990-1991/2004-2005: apuração dos crimes cometidos de 1973 a 1990. El País, Santiago, 11 set. 2019.)
Pouco antes do golpe militar no Chile, em 1973, o Museu de Arte Moderna foi pensado entre 1971-72, pelo então presidente Allende (1908-1973), a partir dos proponentes intelectuais e artísticos de vários países sob a liderança de Mario Pedrosa (1900-1981). No entanto, o Museu tomou um rumo diferente após o golpe militar, passando a ser um Museu de Resistência e Solidariedade. Gontran Netto (1933-2017) colaborou com a doação de “La Prière” (1), em 1973, concomitante, pintou “Chile 1973”
Gontran Guanaes Netto. “Chile 1973″. Óleo sobre tela 70 x 140 cm. Acervo da família/ Arquivo GGN/GM.
Com a morte de Allende, em 1973, o ditador Augusto Pinochet alinhou-se a um domínio sul-americano de muitas mortes. De 1973 a 1990, Pinochet manteve-se com um discurso neoliberal de privatizações e da educação controlada coadunada à visão do golpe; paralelamente, manteve estreitos laços com a Colonia Dignidad (fundada em 1961), comandada por um ex. suboficial nazista, Paul Schäfer. No local, praticavam-se estupros em crianças e mulheres. Os jovens presos políticos transferidos à Colonia tornavam-se cobaias para experimentos.
Os relatos de torturas são também calcados na experiência ditatorial do Brasil, desde 1964. Podemos incluir o Paraguai de 1954-1989, Bolívia de 1964-1982, o Peru de 1968-1980 e o Uruguai de 1973- 1985, três meses antes do Chile.
O artista Víctor Jara (1932-1973), professor de artes cênicas, poeta, músico tornou-se uma referência histórica e memorial sobre a violência durante a ditadura militar de Pinochet. Víctor foi um dos professores, junto com os alunos a ocupar a Universidade Técnica do Estado (UTE). Com um violão, ele cantou até ser detido e levado ao famoso campo de concentração do regime, o Estadio Chile, que em 2003, passou a se chamar Estadio Víctor Jara – marco de resistência contra o período da ditadura militar.
Testemunhas que estiveram com Víctor Jara no dia 16 de setembro de 1973,relataram à Comissão da Verdade que antes dele ser assassinado a tiros, os algozes destruíram as suas mãos e lhe deram um violão para tocar.
Horas antes do ocorrido, Víctor conseguiu um papel e uma caneta com um amigo também detido no Estádio. Víctor Jara escreveu seu último poema.
Somos cinco mil
nesta pequena parte da cidade. Somos cinco mil.
Quantos seremos no total, nas cidades e em todo o país?
Somente aqui, dez mil mãos que semeiam e fazem andar as fábricas.
(…) Seis de nós se perderam
no espaço das estrelas.
Um morto, um espancado como jamais imaginei que se pudesse espancar um ser humano.
(…) Que espanto causa o rosto do fascismo! Colocam em prática seus planos com precisão arteira, sem que nada lhes importe.
O sangue, para eles, são medalhas. A matança é ato de heroísmo.
(…) O sangue do companheiro Presidente golpeia mais forte que bombas e metralhadoras. Assim golpeará nosso punho novamente.
Como me sai mal o canto
quando tenho que cantar o espanto! (…) O que vejo nunca vi,
o que tenho sentido e o que sinto fará brotar o momento (…)”
(Victor Jara, Estádio de Chile, 16 setembro de 1973). (2)
O último poema de Víctor Jara se transformou no Festival anual Víctor Jara, ou seja, cultura, educação, arte, história e memória do Chile Livre.
No mais, há de se debruçar sobre o tempo de apuração e os testemunhos. No Chile a Comissão da Verdade se deu no final da Ditadura Militar. No Brasil, a Comissão da Verdade se deu após vinte e sete anos após o término da ditadura.
Em 1991, um ano após a saída de Pinochet, a Comissão da Verdade do Chile apurou 3.065 mortes de jovens e 40 mil pessoas torturadas. Foram 17 anos de lavagens de dinheiro público e tráfico de cocaína no Exército. Pinochet manteve-se intocável até ser preso, aos 82 anos, em Londres enquanto tratava de problemas de saúde. Ele ficou em cárcere domiciliar por crimes contra a humanidade. Em 2018, por decisão da justiça chilena, a família de Pinochet devolveu parte do dinheiro roubado dos cofres públicos do Chile.
(2) “Somos cinco mil aquí. En esta pequeña parte de la ciudad. Somos cinco mil. ¿Cuántos somos en total en las ciudades y en todo el país? Somos aquí diez mil manos que siembran y hacen andar las fábricas. ¡Cuánta humanidad con hambre, frío, pánico, dolor, presión moral, terror y locura! Seis de los nuestros se perdieron en el espacio de las estrellas. Un muerto, un golpeado como jamás creí se podría golpear a un ser humano. Los otros cuatro quisieron quitarse todos los temores, uno saltando al vacío, otro golpeándose la cabeza contra el muro, pero todos con la mirada fija de la muerte. ¡Qué espanto causa el rostro del fascismo! Llevan a cabo sus planes con precisión artera sin importarles nada. La sangre para ellos son medallas. La matanza es acto de heroísmo. ¿Es éste el mundo que creaste, Dios mío? ¿Para esto tus siete días de asombro y trabajo? En estas cuatro murallas sólo existe un número que no progresa. Que lentamente querrá la muerte. Pero de pronto me golpea la consciencia y veo esta marea sin latido y veo el pulso de las máquinas y los militares mostrando su rostro de matrona lleno de dulzura.¿Y Méjico, Cuba, y el mundo? ¡Qué griten esta ignominia! Somos diez mil manos que no producen. ¿Cuántos somos en toda la patria? La sangre del Compañero Presidente golpea más fuerte que bombas y metrallas. Así golpeará nuestro puño nuevamente. Canto, que mal me sales cuando tengo que cantar espanto. Espanto como el que vivo, como el que muero, espanto. De verme entre tantos y tantos momentos del infinito en que el silencio y el grito son las metas de este canto. Lo que nunca vi, lo que he sentido y lo que siento hará brotar el momento.”
Gontran Netto (1933-2017) pintou a Liberdade guia o Povo, em 1989, na estação do Metrô de São Paulo, Mal. Deodoro. É uma releitura da obra de Delacroix, A Liberdade guiando o Povo, de 1830. São duas as representações de Marianne. Concomitante, reverenciou os 200 anos da Revolução Francesa (1789-1989) e sua importância histórica.
Fig. 1: Gontran Guanaes Netto. A Liberdade guia o Povo: painel Marianne I, 1989. Óleo sobre madeira, 2,0 m x 2,0 m. Acervo do Metrô da cidade São Paulo, estação Marechal Deodoro, SP, Brasil.
Ele também pintou a escrita da Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão:
– Mas, Gontran, são 17 artigos, por que em francês?
– Porque é a língua original, Gisele! Para que serve a internet? (Gontran Netto, áudio, 24 abr. 2005. Arquivo GGN/GM)
Próximos a Declaração estão as pinturas de retratos de alguns líderes históricos, lá estão, entre outros, Salvador Allende (1908-1973), Fidel Castro (1926-2016), Nelson Mandela (1918-2013), Carlos Lamarca (1937-1971), Carlos Marighella (1911-1969), Luís Carlos Prestes (1898-1990), Olga Benário Prestes (1908-1942), Yasser Arafat (1929-2004).
Arafat foi inserido em 2011, durante a restauração dos painéis para abrir as discussões sobre os conflitos entre palestinos e israelenses. Gontran ajudou a criar o Museu de Resistência da Palestina, em 1978, entre outros artistas solidários. Ele doou uma pintura que foi destruída, em 1982, durante o cerco israelense em Beirute.
Fig. 2: Gontran Guanaes Netto. Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão, 1989 (parte I dos três paineis) Óleo sobre madeira, 2,0 m x 2,0 m. Acervo do Metrô da cidade São Paulo, estação Marechal Deodoro, SP, Brasil.
A Liberdade, a Igualdade e a Fraternidade foram discutidas e construídas por meses no próprio metrô e em um praça em frente à estação, das 5:00 às 17:00. Dessa forma, consagrou os rostos dos trabalhadores que diariamente utilizavam o transporte. Essa aproximação resultou em cartas e em palavras de agradecimentos.
Fig. 4: Gontran Guanaes Netto (1933-2017) Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão, 1989 (os três paineis superiores) Óleo sobre madeira, 2,0 m x 2,0 m. Arte no Metrô da cidade São Paulo, estação Mal. Deodoro, Arquivo GGN/GM.
A solicitude de Gontran em estar orientando, conversando, debatendo – o rejuvenesceu, pois ali ele foi o professor e o artista, vinte anos depois de seu exílio político na França. Naturalmente, ele se tornou uma referência para os jovens interessados em pintar e desenhar. Nesse processo, o artista conheceu uma moça chamada Henriette:
Ela fazia uns desenhos sombrios. O que pude arrancar dela, depois de um bom tempo, é que ela morava sozinha e não conseguia terminar o curso universitário.” (GGN, áudio, 27 nov. 2002. Arquivo GGN/GM)
Henriette escreveu uma carta que o artista fez questão de ler em voz alta, quinze anos depois da obra realizada com o pedido de incorporação dessa memória ao referenciar as pinturas da estação.
“A Guernica Tupiniquim.
Estava conversando com meu amigo pintor e comentamos sobre o processo dinâmico da vida. Tocamos no ponto nevrálgico da questão. Tenho me sentido tão desmotivada, sem direcionamentos…, talvez estejamos todos a procura de respostas. O ponto crucial é, vendo-o atuante, interessado nas coisas que acontecem a sua volta, pessoas que chegam curiosas atraídas pelas cores fortes de seus trabalhos cujos personagens parecem saltar delas para a nossa realidade. Sinto saudades do tempo em que tínhamos esperanças. O tema, o enfoque principal é a liberdade, retratada simbolicamente por uma mulher em atitude de desafio, seja pelo busto nu ou pelas armas e bandeira que (…) Sua figura altaneira forte parece convocar a ação e animada por uma força centrífuga acolhendo os que a procuram em busca de seus mais íntimos e inesquecíveis (…) A mensagem está bem clara no primeiro mural, no segundo já em outro momento sobre o fogo avassalador da batalha portando ainda armas e estandartes cobrem a retaguarda um pequeno exército meio aturdido. Desconhecem, talvez, a própria coragem. Artefatos de guerra tem somente as ferramentas do trabalho demonstrando os quão desesperados e desprotegidos caminham em busca de seus sonhos tão caros quanto antigos, cada vez mais, desviadamente distantes. Arquétipos incontestáveis do nosso tempo, nossa pátria carrega os olhares de uma imensa tristeza: implorar compreensão. São olhos inocentes isentos do brilho do ódio e da raiva racional que costumam impelir os desesperançosos às lutas sem papel, à violência desnecessária. Parecem ser as únicas armas infelizmente capazes de fazer frente à senha devoradora dos exploradores fantasiados de políticos, empresários, latifundiários (…) Dirigentes de um país exaurido pela sangria desenfreada iniciada no seu descobrimento que nunca cessa. Ainda hoje sangra, seus filhos sangram, como os destinos comuns de ambos devessem se encontrar numa imensa chaga aberta. Empresta-se uma solidariedade hipócrita a África, nosso grande espelho. Seus filhos tiveram aqui sua iniciação na escravidão mais aviltante. Teve seu sangue vergonhosamente misturado ao nosso no altar macabro do mesmo sacrifício… de acusação eterna contra a prepotência dos que se julgam poderosos e alicerçados na impunidade. Fraticidas, aproveitadores e demagogos (…) A história, caprichosamente tem mostrado a esses vampiros cegos que têm também pescoços frágeis, veja por exemplo a queda da bastilha (…)Não precisamos nem portar bandeiras, diga-se de passagem. Quem tem boa memória ou sabe ler nas entrelinhas venha me fazer desmentir se puder.”(Gontran Netto, áudio, 27 nov. 2002. Uma parte da Carta de Henriette Lima a Gontran, 1989/1990. Arquivo GGN/GM)
Após a leitura rememorou que pouco depois da carta, Henriette foi buscar o alicate que havia emprestado.
Ela veio meio sisuda buscar o alicate. Olhei para ela e pensei, tem coisa grave aí. No outro dia veio a vizinha de Henriette; ela foi descoberta morta. Foi uma crise de diabete. Mas não foi, eu não acredito. Foi um suicídio. A vizinha veio me chamar para o velório porque disse que não tinha ninguém no velório. Todos da praça foram ao velório. Quando ela pediu o alicate era a ligação dela com o mundo e comigo. (Gontran Netto, áudio, 27 nov. 2002. Arquivo GGN/GM)
O Blog Tecituras nasceu nas paredes de um quarto – gestado e parido. As palavras foram esculpidas, ora na pena, ora com as unhas. O caos, a dor e a “solidão do porvir de poucos” atentou que a “consciência sobrevive a qualquer circunstância”. As incisivas palavras são do artista Gontran Guanaes Netto (1933-2017), amigo, professor e tutor.
Gontran Netto nos deu a honra de sua colaboração no Tecituras com suas obras e suas reflexões, seus escritos e interferências.
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A homenagem dos 13 anos do Tecituras vem de um conteúdo Histórico, Artístico, Crítico e Político. De conteúdo imaterial, inquietações do pensamento à escrita com o objetivo de compartilhar conhecimentos, experienciar e zelar pelos bens culturais, com colaboradores – com ou sem vínculos acadêmicos e com uma bagagem de textos não perecíveis ao tempo, atualizados, conscienciosos de sua necessidade, por isso, nossa justa homenagem a Gontran Guanaes Netto. Há inúmeros textos sobre sua arte, sua luta, além de tutelar um pequeno espaço tecido ao longo desses anos com pesquisas sobre as obras de Antonio Peticov, Emmanuel Nery, Paschoal Carlos Magno, entre outros temas.
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O conteúdo artístico faz uma grande diferença. O conteúdo crítico é uma filtro necessário frente a educação da exclusão. Dessa homenagem tecemos reverência ao ofício dos professores em situações de risco e pobreza.
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Nosso Brasil tão diverso, nascido de um histórico de pura violência, dos séculos de escravidão, da exclusão, dos preconceitos. Esses séculos não foram sanados, tão pouco, os 21 anos de violência da ditadura civil e militar no Brasil, porque não há consciência histórica.
As ditaduras devastaram toda a América Latina, torturaram, violentaram, reprimiram, subornaram, difamaram e mataram. Toda essa herança resiste cada vez mais, estratificada nos professores, na moral da violência e da submissão material, na baixa remuneração, na ausência dos livros, das leituras, do tempo, das escritas à “missão impossível”.
Entre a teoria, o discurso frio e confortável há o extremo da prática nada confortável. Entre as fases antagônicas existem mais falas sujas, oportunas e arrogantes. Sem dúvida, a figura opressora tem cúmplices entre os próprios oprimidos. (1)
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Entre os traumatizados há sobreviventes, independente da indexação, do conforto, da assepsia, da insensibilidade, do apodrecimento, dos muros onde os discursos, principalmente econômicos falam mais alto, não por acidente, mas por natureza.
(1) BEAUVOIR, S. O Segundo Sexo Vol 2: A Experiência Vivida, Difusão Européia do Livro, 1967. “O opressor não seria tão forte se não tivesse cúmplices entre os próprios oprimidos.
(2) DELEUZE, Gilles. Conversações. São Paulo: Ed. 34, 2010, p. 221.
Para dialogar historicamente com essa fase de Oswaldde Andrade é necessário resgatar a base institucional e artística adaptada aos trópicos, ou seja, a importância do Neoclassicismo Francês no Brasil, perfilado por um Barroco endógeno e um percurso academicista cutucado pelo nacionalismo internacional da Primeira Guerra Mundial e dos Movimentos da Vanguarda europeia. Sabemos que toda essa história culminou na Semana de Arte de 1922.
Quando finda o Neoclássico na França, começa uma nova adaptação do Neoclássico no Brasil com a chegada da Missão Artística Francesa, em 1816. Em seguida, o Realismo francês assumiu uma importante função social até a entrada dos Movimentos de Vanguarda quando os valores estéticos, técnicas, aspirações são discutidas através de inúmeras possibilidades. No Brasil, a lingua francesa entranhou nos costumes no Império. A base da arte no Brasil derivou de um discurso monárquico que se desdobrou em um academicismo subserviente para os artistas nascidos aqui.
No mais, o Barroco no Brasil não terminou no século 19, com a vinda dos Neoclassicistas franceses, segundo Eugenio D’Ors (Machado, 2003), o Barroco criou uma amálgama conceitual chamada EON (potência re-criadora), hoje encontrada nas igrejas neobarrocas.
O processo histórico, cultural e artístico brasileiro de 1922 equiparou, não facilmente, as discussões sobre a Arte Moderna na Europa. Sabemos, muito claramente, a importância do Expressionismo de Anita Malfatti (de seus estudos na Alemanha e EUA), que lhe valeu a histórica crítica negativa de Monteiro Lobato, mas também, a histórica defesa de sua arte por Oswald de Andrade, entre outros. Sabemos da importância do Cubismo em Tarsila do Amaral (e seus estudos na França), do Surrealismo em Ismael Nery, enfim, tivemos representantes dos movimentos da vanguarda europeia, além de teóricos de nossas próprias manifestações com Oswald de Andrade e Mario de Andrade, antropofagicamente e de reconhecimento de nossa cultura.
Mas, e o Dadá no Brasil? As premissas do Dadá não foram fáceis de serem assimiladas, seja pelo discurso antiarte ou antiguerra. O Brasil esteve neutro em quase todo o período da guerra. E a elite cafeeira em processo de urbanização e industrialização, contudo, a política e a economia dependentes de países em guerra. Com características particulares essa elite, em 1914, apenas 26 anos da abolição da escravidão no Brasil -, aceitou o abandono dessa população, a limpeza social e fluxo migratório (branco) como mão de obra substituta.
Nossa segunda lingua era o francês e a nossa elite de ascendência estrangeira. Os filhos bem-educados, poliglotas estavam sempre antenados aos acontecimentos na França e, posteriormente, nos EUA.
Do ponto de vista artístico, o intelectual e escritor Oswald de Andrade, já em artigo de 1912, reclamaria características nacionais para a arte do país, reivindicando uma forma de expressão que não fosse a arte acadêmica consagrada na Europa. (AMARAL, 2004, p. 22)
Antes de ser um teórico da Semana de Arte de 1922, de criar o Manifesto Antropofágico, Oswald foi o Cozinheiro das Almas, em um reduto masculino, alimentado pela liberta DadaCyclope.
La femmeCyclope, uma história de amor
Alguns dos intelectuais da cidade de São Paulo foram acolhidos por Oswald de Andrade, em 1918, registrado em um diário de encontros do cozinheiro com asalmas perdidas. O anfitrião e seus convidados, em português ou em francês, debatiam ou escreviam, filosofavam, faziam críticas, desenhavam, colavam, nem sempre com sentido, pois experienciavam possibilidades, brincavam com seus codinomes, bebiam e comiam. O contexto artístico-literário desse momento tinha a “verve parnaso-a-cadêmica …nossa leviana e retardada belle èpoque.” (2)
O reduto intelectual masculino amalgamado pour la femme Cyclope quebrou protocolos, discursos da época e a quebra de seus pares frente à uma mulher que ia e voltava sem nada dizer ou dever. Não só, de inteligência impetuosa e poética.
Cyclope, um dos apelidos, tal como todos os reunidos. Mas o que se passou entre 1917 e 1919 transformou a todos, dolorosamente, com a morte da jovem poeta.
Oswald de Andrade e Maria de Lourdes, Ou, Miramar e Cyclope, c. 1917.
Eles vinham comparando-a com Dulcinéa, o amor de dom Quixote. Ela respondia na escrita: – Primeira receita – Nos casos de amor á Dulcinéa prefira-se a Dulce núa. Foram Inúmeros textos com derivações à Cyclope: A Cyclope é o grande vício desta vida (3). Até o último instante ela não parava de expressar.
Começo a prever que também já tenho meu coração de moça, e de menina, estrangulado por um sentir devotado e malígno, mordido pela volupia da vida incognita que me offerecem. (4)
Evidentemente, todos esses atributos mexeram com seus admiradores, mas no covil, ela era la femme de Oswald de Andrade. Fora do grupo, Cyclope amava em liberdade quem quisesse. Oswald sabia e a respeitava. Ela era o riso inteligente de uma boa conversa; era a volúpia diante dos valores morais da época. Desde cedo, uma poeta de lingua afiada. Viveu pouco, partiu como muitas mulheres, até hoje, decorrente de um aborto clandestino malsucedido. Sua poesia sumiu, perdeu-se no reduto masculino. Ela era “um embrião caótico”, “musa polifônica”, “musa palimpséstica” em ‘guerra’ com o universomasculino… ela era a novidade da estrutura aleatória e da forma ready-made para o Pré Modernista de1922. (5)
Cyclope com sua mecha vermelha, 1918. In: O perfeito Cozinheiro das almas deste mundo, p. 29.
O Cozinheiro MIRAMAR das almas deste mundo, 1918, p. 109.
Postais colados nas páginas do coletivo, 1918, p. 85.
colagens e textos, 1918, p. 71.
Textos diversos das almas perdidas 2018, p. 16.
Todos a amavam, até mesmo, os inicialmente reticentes. Outros explicitamente desejavam-na com total ciência de Oswald. Ela era o manifesto Dada em pessoa, em um núcleo intelectual elitista, em parte, conservador. Todos a respeitavam porque ela os enfrentava. Cyclope bailava entre eles; essa era a beleza que transbordava.
Por fim, a nota de falecimento de Cyclope e a referência do tempestuoso casamento com Oswald em seus últimos dias. Ela só tinha dezenove anos. Todos os manuscritos dela se perderam – Oswald, em um determinado momento da vida, assumiu a culpa da perda desses manuscritos, pois estavam com ele. Quanto a culpa pela morte anunciada, ao sabê-la moribunda, colocou-se responsável, casando-se com ela.
Dona Maria de Lourdes Castro de Andrade – falleceu, hontem, nesta capital, a exma. Sra. Maria de Lourdes…., ha dias casada como nosso distincto collega de imprensa e ex comoanheiro de redação, bacharelando Oswald de Andrade. (…) A Dayse o teu pobre Oswald… (Agosto, 25, 1919. Colagem de recorte de jornal na última página do Diário Coletivo)
Nota de falecimento de Cyclope, 25 de Agosto de 1919. Colada na última página s/n do Diário Coletivo.
Referências:
AMARAL, A. A. Artes Plásticas na Semana de 22. São Paulo: Editora 34. 1998, segunda Reimpressão, 2004.
ANDRADE, Oswald de. O Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo. Diário coletivo da garçonière de Oswald de Andrade. São Paulo, 1918.Edição fac-similar. Textos de Mário da Silva Brito & Haroldo de Campos. Transcrição tipográfica de Jorge Schwartz. Editora Ex Libris, 2015. (A Garconière era o codinome do apartamento).
MACHADO, Lourival. Barroco Mineiro. São Paulo: Perspectiva, 2003.
MICELI, S. Nacional Estrangeiro: História Social e Cultural do Modernismo Artístico em São Paulo. São Paulo: Companhia das Letras, 2003.
WALKER, José Roberto. Neve na manhã de São Paulo. São Paulo: Companhia das Letras, 2017.
(1) O Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo: Diário coletivo da garçonière de Oswald de Andrade. Coletivo da garçonière de Oswald de Andrade. São Paulo, 1918. As citações mantêm a grafia original da época, assim como nesse texto.
(2) Réquiem para Miss Cyclope, musa dialógica da pré-História textual Oswaldiana, p XVI. IN: Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo, 1918. Outros nomes de Cyclope: Daisi (Dayse), Dasinha, Miss Terremoto, Tufãonzinho. Oswald era Miramar; Os adeptos se reuniram na rua Líbero Badaró, região central de São Paulo. Entre os participantes estavam: Menotti del Picchia, Ricardo Gonçalves, Ferrignac, Monteiro Lobato e Guilherme de Almeida.
(3) Idem, página 9.
(4) Idem, p. 18.
(5) Idem, p. XVI a XXII. Segundo Oswald, a decisão do aborto foi de Cyclope, porque ela não queria ter, ademais, não sabia quem era o pai. Ele a apoiou e esteve ao seu lado até o fim.
"Onde é dado o sentido do tempo, do visível, do invisível, do sagrado, do profano, do prazer, do desejo, da beleza e da feiúra, da bondade e da maldade, da justiça e da injustiça." Déa Fenelon
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