É o jogo da bola e o povo enfrenta (…) os guardas pela frente
o pau quebrando (e a Fiel comparece)
o povo paga sempre… Coringão, Coringão.
(PALLOTTINI, Renata. Onze contra onze. 1973)
Em 1990, o artista Gontran Guanaes Netto (1933-2017) recebeu um convite do Metrô de São Paulo para pintar sua segunda estação, a Corinthians-Itaquera. Durante o tempo em que esteve trabalhando residiu em um apartamento da Cohab no entorno da estação para interagir como os moradores da região e elaborar símbolos reconhecíveis e corroborados através das cores.
A estação tornou-se símbolo da Democracia e dos pés descalços. Gontran fez a bola como o sol, a lua cheia, um enrolado de meias sem pares e de pura imaginação.
A Catedral do Povo fez bater novamente o coração do artista corinthiano adormecido no exílio (1969 a 1985), vindo à tona pela força da Democracia Corinthiana bandeira do dr. Sócrates Brasileiro de Oliveira (1954-2011), Casagrande (1963-), entre outros, desde 1980.
Gontran Guanaes Netto, Catedral do povo, 1990, painel 1, estação Corinthians-Itaquera/SP. 2m x 13m. Acervo Artístico do Metrô de São Paulo.
Após o término dos painéis, Gontran deixou um Caderno para comentários. A frase mais repetida: “Todo o artista tem que ir aonde o povo está”, trecho da música, Os bailes da vida, de Milton Nascimento e Fernando Brant, de 1981, uma das músicas mais cantadas durante as manifestações pelas Diretas Já (1983-1984).
As diversas escritas de apoio ao artista e sua arte atingiram vários aspectos, a tônica da sensibilidade, da beleza, do sentimento de brasilidade, de pertencimento e da comunicação poética. Entre as frases, alguns destaques:
a) Apesar dessa humanidade desumana, apesar desta correria do dia a dia, apesar desta crise do país. podemos olhar para os quadros e sonhar com um paraíso, criado por você.” (Gabriela, 19 fev. 1990, p. 17. Arquivo GGN/GM)
b) No meio desta cidade louca, aqui é como se fosse a varanda de um lugar gostoso, Que devo atravessar para chegar no meu canto. (Julis, 20 fev. 1990, p. 20. Arquivo GGN/GM)
c) Ao pintor: Sou um passageiro. Tenho fome, sinto raiva, medo e frio. Não tenho paredes, o que seria fundamental para se ter quadros. Mesmo assim, como fomos possivelmente parecidos, vejo na sua arte a minha cara. (Rinaldo Campos, 10 fev. 1990, p. 2. Arquivo GGN/GM)
Gontran Guanaes Netto, Catedral do Povo, 1990 – painel 9; 2.0 m X 13.0. Metro Corinthians-Itaquera, SP). Jornal da USP. Foto: Marcos Santos
Por fim, o destaque da face de “Deus” aliada ao trabalho do artista. Gontran refletiu sobre essa questão pelo prisma histórico:
A pintura pela associação das paredes, das igrejas, das catedrais… para o povo tem um caráter mágico ou místico ou move… como eu acredito na pintura ancestral desde os homines sapiens, na caverna quando pintavam para caçar o bisonte para ter coragem de matar o bisonte… para sobreviver… para compartilhar. A pintura venceu o medo. (Gontran Netto, áudio, 1 mai. 2003. Arquivo GGN/GM)
O Blog Tecituras nasceu nas paredes de um quarto – gestado e parido. As palavras foram esculpidas, ora na pena, ora com as unhas. O caos, a dor e a “solidão do porvir de poucos” atentou que a “consciência sobrevive a qualquer circunstância”. As incisivas palavras são do artista Gontran Guanaes Netto (1933-2017), amigo, professor e tutor.
Gontran Netto nos deu a honra de sua colaboração no Tecituras com suas obras e suas reflexões, seus escritos e interferências.
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A homenagem dos 13 anos do Tecituras vem de um conteúdo Histórico, Artístico, Crítico e Político. De conteúdo imaterial, inquietações do pensamento à escrita com o objetivo de compartilhar conhecimentos, experienciar e zelar pelos bens culturais, com colaboradores – com ou sem vínculos acadêmicos e com uma bagagem de textos não perecíveis ao tempo, atualizados, conscienciosos de sua necessidade, por isso, nossa justa homenagem a Gontran Guanaes Netto. Há inúmeros textos sobre sua arte, sua luta, além de tutelar um pequeno espaço tecido ao longo desses anos com pesquisas sobre as obras de Antonio Peticov, Emmanuel Nery, Paschoal Carlos Magno, entre outros temas.
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O conteúdo artístico faz uma grande diferença. O conteúdo crítico é uma filtro necessário frente a educação da exclusão. Dessa homenagem tecemos reverência ao ofício dos professores em situações de risco e pobreza.
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Nosso Brasil tão diverso, nascido de um histórico de pura violência, dos séculos de escravidão, da exclusão, dos preconceitos. Esses séculos não foram sanados, tão pouco, os 21 anos de violência da ditadura civil e militar no Brasil, porque não há consciência histórica.
As ditaduras devastaram toda a América Latina, torturaram, violentaram, reprimiram, subornaram, difamaram e mataram. Toda essa herança resiste cada vez mais, estratificada nos professores, na moral da violência e da submissão material, na baixa remuneração, na ausência dos livros, das leituras, do tempo, das escritas à “missão impossível”.
Entre a teoria, o discurso frio e confortável há o extremo da prática nada confortável. Entre as fases antagônicas existem mais falas sujas, oportunas e arrogantes. Sem dúvida, a figura opressora tem cúmplices entre os próprios oprimidos. (1)
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Entre os traumatizados há sobreviventes, independente da indexação, do conforto, da assepsia, da insensibilidade, do apodrecimento, dos muros onde os discursos, principalmente econômicos falam mais alto, não por acidente, mas por natureza.
(1) BEAUVOIR, S. O Segundo Sexo Vol 2: A Experiência Vivida, Difusão Européia do Livro, 1967. “O opressor não seria tão forte se não tivesse cúmplices entre os próprios oprimidos.
(2) DELEUZE, Gilles. Conversações. São Paulo: Ed. 34, 2010, p. 221.
A Série MANTOS foi confeccionada à memória coletiva e à história da cultura brasileira, de 1989 até 2019, com espetáculos teatrais, filmes, exposições e shows na cidade de São Paulo.
Os bilhetes culturais e artísticos foram costurados no tecido e conjugados à pesquisa histórica. Embora não estejam todos os bilhetes, mas, os que estão remetem aos bilhetes da memória, através dos diretores, atores, autores a um amplo conteúdo ligado a literatura, música, dança, pintura, teatro, cinema, portanto, um conteúdo de uma geração, acessibilidade, valores e investimentos materiais e imateriais.
Os três Mantos da Série passaram por encontros teóricos e ficcionais com Arthur Bispo do Rosário (1909? -1989), na sagração e na fé dessa missão. Com Leonilson (1957-1993), nos bordados cruciais à critica. E com Hélio Oiticica (1937-1980), quando os Mantos tornaram-se Parangolés na realidade marginal e anti heroica.
O primeiro Manto tem 101 espetáculos costurados, entre peças de teatro, óperas e shows, dedicados à memoria do Culturalista Paschoal Carlos Magno*(1906 –1980). Paschoal ensinou que todos nós, poetas, temos nossos barcos no ar, na terra e no mar e que o teatro é educação, que a arte transforma e que cultura é essencial à vida.
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O Manto I começou em 4 de julho de 1989, em uma nítida despedida da cidade do Rio de Janeiro com RIGOLETTO, Ópera de Giuseppe Verdi (1813-1901), para adentrar, em meados dos anos de 1990, na cidade de São Paulo. Dos 101 espetáculos, 30 estão sem datas, criando vácuos na temporalidade**. São 33 espetáculos infantis que compartilhei com o meu filho, dos 3 aos 12 anos.
Ao lembrar do espetáculo Cacilda, homenagem que José Celso Martinez fez a Cacilda Becker, invariavelmente, lembro da potência da atriz Beth Coelho Esperando Godot, de Samuel Beckett.
Quando costurei Vozes Dissonantes, de Denise Stoklos, imediatamente lembrei de sua Mary Stuart. Chorei por não ter guardado o bilhete do espetáculo Louise Bourgeois, pois foi naquele momento que me apaixonei pela obra de Bourgeois.
Ao tecer OTELO, de William Shakespeare com Norton Nascimento, no Teatro Municipal de São Paulo, veio a tona outro bilhete perdido, Orlando, com Fernanda Torres nua no palco do Teatro Municipal. Na costura da memória, a Fernandinha trouxe a dama Fernanda Montenegro em The Flash and Crash Days, de Gerald Thomas. A direção foi impressionante! Lembrar de Gerald Thomas é rever Ventriloquist, a trilogia Kafka, Esperando Beckett.
Também não encontrei o bilhete do Quadrante, com Paulo Autran, espetáculo que vi no Teatro Municipal de São Paulo. Nem da Família Addams, com Marisa Orth, no Teatro Renault. Quer dizer, estou encontrando todos na memória. A memória como dizia Umberto Eco, “tem que ser exercitada”.
Quanto aos shows, vi muitas vezes Zizi Possi, Angela Rorô, Raul Seixas. Vi Renato Russo, no Pacaembu. Perdi Astor Piazzola, no Municipal de São Paulo. Vi Novos Baianos.
Alguns shows que assisti foram a trabalho (freelancer) na produção e como sempre, sentindo-me privilegiada com Elza Soares, Antonio Adolfo, Turíbio Santos, Marcos Valle, o grupo Azymuth, Carlos Lyra, Dulce Quental.
Olhar para trás é me sentir protegida daquele caos pandêmico e do atentado a humanidade personificado por um energúmeno negacionista apoioado por golpistas. Olhar para trás é ver construções com conteúdo artístico, o que faz muita diferença e acrescenta à pesquisa e à produção científica.
No mais, em meio aos alfinetes, agulhas, linhas, tecidos, papéis e sangue – há muita luta, arte, história, política, crítica e sobrevivência.
Abaixo, alguns bilhetes listados.
RIGOLETTO, Ópera de Giuseppe Verdi (Roncole verdi, Itália, 1813- Milão, Itália, 1901). Teatro Municipal do Rio de Janeiro, julho 1989.
Dom Pasquale. Obra de Donizetti (Bérgamo, Itália, 1797 – idem, 1848), Teatro Municipal do Rio de Janeiro, julho de 1989.
Fragmentos de um discurso amoroso. Texto de Roland Barthes. Adaptação Teresa de Almeida. Direção Ulisses Cruz. Música de André Abjamra. Cenografia e figurinos Ninette Van Vuchelen. Com Antonio Fagundes. Teatro Cultura Artística de São Paulo, 1989.
Martha Graham Dance Company. Teatro Municipal do Rio de Janeiro, Carlton Dance Festival, 1989.
Jornada SESC de Teatro (SESC dr. Vila Nova), São Paulo/SP. De 8 a 21 de julho de 1996.
O Professor. Teatro Municipal de São Paulo, 26 janeiro 1997.
O Feminino na Dança. Com palestras de Helena Katz, Christine Grener, Cássia Navas, e Fabiana Dutra Brito. Centro Cultural São Paulo. Sala Paulo Emílio Salles Gomes. De 30 de abril a 1 de junho de 1997.
A Quarta Estação, de Israel Horovitz. Direção Fauzi Arap com Juca de Oliveira e Denise Fraga, no Teatro Cultura Artística. Sala Rubens Sverner, 14 julho 1997.
Otello, de Giuseppe Verdi. Regência Isaac karabtchevsky. Orquestra Municipal, Coral lirico e solistas. Teatro Municipal de São Paulo, 29 agosto 1997.
O Masculino na Dança. Com Workshops de Sandro Boreli, Mário Nascimento, Edison Garcia, Sérgio Rocha. Centro Cultural São Paulo. Sala Paulo Emílio Salles Gomes. De 3 a 21 de setembro de 1997.
Cavalleria Rusticana I Pagliacci. Orquestra e coro do Teatro Municipal de São Paulo & artistas convidados, 23 setembro 1997.
Antígone, de Sófocles. Direção Carlos Gardin. Teatro Tuca Arena, 26 setembro 1997.
Bananas de pijamas vão ao teatro. Teatro Jardel Filho, 16 novembro 1997.
O Diário de um Louco. De Gogol, adaptação livre de Luiz Conceição. Teatro Villa Lobos, Rio de Janeiro, RJ, novembro 1997.
Uiva e vocifera, de Hamilton Vaz Pereira. Teatro Oficina, 10 abril 1998.
Tio Vânia, de Anton Tchecov. Direção Elcio Nogueira. Teatro Brasileiro de Comédia, 24 abril 1998.
Concerto Wagner – Strauss. Regente Gabor Otvos. Soprano Hildegard Behrens. Teatro Municipal de São Paulo, 4 maio 1998.
Senninha e sua turma no teatro. Direção Renata Soffredini. Com Fernando Lyra Jr. Teatro Bibi Ferreira, 5 maio 1998.
Porca Miséria. Comédia de Jandira Martini e Marcos Caruso. Direção geral Gianni Ratto. Teatro Sérgio Cardoso, 5 julho 1998.
Em nome do Pai. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, 11 julho 1998.
Exercício para Antígona. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, 15 julho 1998.
O Pequeno príncipe. Teatro Ruth Escobar. Sala Mirian Muniz, 9 agosto 1998.
Narrador. Centro Cultural São Paulo, piso 796, 16 agosto 1998.
Doce lembrança. Centro Cultural São Paulo, piso 796, 18 agosto 1998.
Dom Carlo, de Giuseppe Verdi. Direção Musical e Regência de Eduardo Muller. Direção Figurinos e Cenários de Hugo de Ana. Orquestra e coro do Teatro Municipal Solistas e Convidados. Teatro Municipal de São Paulo, 30 agosto 1998.
Salomé, de Richard Strauss. Solistas convidados, Orquestra do Teatro Municipal de São Paulo, 30 setembro 1998.
Branca de Neve e os sete anões. Ibirapuera, 17 outubro 1998.
Ele é fogo! Texto e Direção Isser Korik. Teatro Ruth Escobar. Sala Dina Sfat, 25 outubro 1998.
Romance. Teatro Crowne Plaza, 28 novembro 1998.
Cacilda! Direção José Celso Martinez. Teatro Oficina Uzyna Uzona, novembro 1998.
La Bohème, Ópera em quato Atos de Giacomo Puccini (1958-1924). Teatro Municipal de São Paulo, em 5 dezembro 1998.
A História de Lampião Jr. e Maria Bonitinha. Teatro Paulo Autran, 21 fevereiro 1999.
Palavra Cantada (Show). Paulo Tatit e outros. CD Canções Curiosas. SESC Fábrica Pompéia, 28 fevereiro 1999.
As aventuras de Pinóquio. Teatro Paiol, 07 março 1999.
A Bela e a Fera. Texto e Direção Tatyana Dantas, com Fernanda de Souza e Felipe Folgosi. Teatro Sergio Cardoso, 17 abril 1999.
O violino mágico, de Júlio Fischer. Direção Christina Trevisan. Teatro Sérgio Cardoso, 2 maio 1999.
The Addam´s. Texto de Edmundo de Novaes Gomes. Direção Carlos Gradim. Teatro Ruth Escobar, sala Gil Vicente, 22 maio 1999.
Marcelo, marmelo, martelo. Teatro Jardel Filho, 8 agosto 1999.
Hércules. Ibirapuera, 25 setembro 1999.
O terror dos mares. Adaptação Ronaldo Ciambroni. Direção Cesar Pezzuoli. Teatro Imprensa, 2 outubro 1999.
Fragmentos troianos. Direção Antunes Filho. Teatro SESC Anchieta, 04 março 2000.
AMOR – uma ode ao universo feminino de Clarice Lispector. Centro Cultural São Paulo. Sala Paulo Emílio Salles Gomes, 18 maio 2000.
Filhos do Brasil. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, maio 2000.
Cartas de Rodex. Centro Cultural São Paulo, espaço cênio Ademar Guerra, maio 2000.
Raul fora da lei. Centro Cultural São Paulo. Sala Adoniram Barbosa, maio 2000.
Semana de Dança. Centro Cultural são Paulo. Sala Jardel Filho, junho 2000.
Anjo duro, de Luiz Valcazaras. Com Berta Zemel. Teatro Sergio Cardoso, 02 julho 2000.
N X W Série Pocket Opera, de Gerald Thomas. Teatro SESC Ipiranga, 22 julho 2000.
Angela Ro Ro (Show). Tom Brasil, 16 dezembro 2000.
Deborah Colker – MIX – Teatro Sergio Cardoso, 26 setembro 2001.
A Terra Prometida, de Samir Yazbek. Sesc Anchieta, 13 outubro 2001.
Uma aventura mágica com o Monstro Brigueiro. Texto e direção Isser Korik. Teatro Folha, 5 janeiro 2002.
Conferência Pierre Levy. Teatro Vila mariana, 29 agosto 2002.
João e Maria Ópera em 3 Atos. Baseado na história dos Irmãos Grimm. Libreto de Adelheid Wette. Música de Engelbert Humperdinck. Tradução de Dante Pignatari e Jamil Maluf. Teatro Municipal de São Paulo, 19 dezembro de 2002, às 18hs.
Funk como Le gusta (Show). Confraria Pompéia/ SESC, 15 fevereiro 2003.
O Chapéu de palha de Florença, de Nino Rota (1911-1979). Teatro Municipal de São Paulo, temporada, março 2003.
Bispo. Com João Miguel. Teatro Galpão, 20 abril 2003.
Vozes Dissonantes, com Denise Stoklos. Teatro João Caetano, 6 agosto 2003.
Gothan SP – Fórum Cultural. Cia teatral Ueinzz. Teatro Galpão, 27 junho 2004.
A Entrevista, de Samir Yazbek. Direção Marcelo Lazzaratto. Com Ligia Cotêz e Marcelo Lazzaratto. Teatro Cultura Inglesa de Pinheiros, 5 março 2005.
Semana de Dança. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, 24 maio 2005.
Teatro Carlos Gomes, 04 julho 2007.
Luiz Melodia. Premio Victor Civita – educador nota 10. Sala Cultural São Paulo, 15 outubro 2007.
Nocaute. Teatro Folha, 23 abril 2008.
OTTO. Sesc (ginásio de esportes), 25 novembro 2011.
A Família Addms. Texto Marshall Brickman & Rick Elice. Música e letras de Andrew Lippa. Baseado nos personagens de Charles Addams. Versão brasileira de Claudio Botelho. Com Marisa Orth e Daniel Boaventura. Teatro Abril, março de 2002.
A dama do mar. Texto de Susan Sontag, baseado na peça de Hendrik Ibsen. Direção Bob Wilson. Com Lígia Cortez, Ondina Castilho, Bete Coelho, entre outros. Teatro Sesc Pinheiros, 15 junho 2013.
Do outro lado. Teatro Porto Seguro, 25 outubro 2017.
Elza Soares. Comedoria Pompéia/ SESC, virada cultural, 08 maio 2019.
Comum. Projeto Meta-Arquivo 1964-1985 Grupo Pandora de Teatro (SP) Texto e direção Lucas Vitorino. SESC Belenzinho, 08 setembro 2019, às 18:30.
Olhos Recém-nascidos com Denise Stoklos. Teatro João Caetano SP, março, s/ano
Turandot, de Giacomo Puccini. Teatro Denoy de Oliveira. 25 junho s/d.
Dyário de um Louko. Centro Cultural São Paulo, centrinho cultura, s/d.
Vô doidim e os velhos batutas. Teatro Denoy de Oliveira, s/d.
RED FANG (Show). Inferno SP, 08 setembro s/d.
Cassia Eller (Show) Directv, 3 outubro s/d.
Chico Buarque. Palace, 18 abril s/d.
A terra do povo da graça. Centro Cultural São Paulo, sala Jardel Filho, s/d.
OTELO, de William Shakespeare. Adaptação Alexandre Montauri; Direção Janssen Hugo Lage, com Norton Nascimento. Teatro Municipal de São Paulo, 11 novembro s/ano.
No reino das águas claras, de Monteiro Lobato. Adaptação Maisa Montresor. Direção geral Milton Neves; direção musical Cesar Pezzuoli. Teatro Imprensa, s/d.
O senho dos sonhos. Centro Cultural São Paulo, sala Jardel Filho, s/d.
Simão e o boi pintadinho. Centro Cultural São Paulo, sala Paulo Emílio Salles Gomes, s/d.
Boca de Ouro, de Nelson Rodrigues. Direção José Celso Martinez Correa. Teatro Oficina, s/d.
O menino detrás das nuvens. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, s/d.
Moço em estado de sítio. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, s/d.
Rumos musicais: Miguel Briamonte. Instituto Cultural Itaú, Sala Azul, piso Paulista, 5 outubro s/d.
Contra Igual, de Fernando Pessoa. Centro Cultural São Paulo, s/d.
O Anti Shakespeare. Centro Cultural São Paulo, porão, s/d.
Avoar, de Vladimir Capella. Direção Chiquinho Cabrera e Edu Silva Filho. Teatro Imprensa, s/d.
O mágico de OZ. Adaptação Sônia Fonseca. Direção Léia Marone. Teatro Cultura Tutóia, s/d.
Gatos e Cia. Adaptação Meire Tumura & Maria Duda. Direção Maria Duda. Supervisão geral Attílio Riccó. Teatro Itália, s/d.
As sereias da River Gauche. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, s/d.
Contos, cantos e acalantos. Centro Cultural São Paulo. Sala Paulo Emílio Salles Gomes, s/d.
Uma Professora muito Maluquinha, de Ziraldo. Direção Renata Soffredini, s/ referência do teatro, s/d.
Casa de brinquedos, musical de Toquinho, Teatro Gazeta, s/d.
Pedro e o lobo. Centro Cultural São Paulo. Sala Paulo Emílio Salles Gomes, s/d.
Um dia de Pic & Nic. Teatro Ruth Escobar, s/d
PAI, de Cristina Mutarelli. Direção Paulo Autran, com Beth Coelho, Teatro Crowne Plaza, 13 fevereiro s/d
Strip Tease com Ana Lívia. Instituto Cultural Itaú. Sala azul piso Paulista, s/d
Corpo a Corpo. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, s/d.
O feminino na dança. Centro Cultural São Paulo. Sala Jardel Filho, s/d.
(…) As cartas de amor, se há amor, Têm de ser Ridículas. (Álvaro de Campos)
Após a morte de nosso amigo ancião Blake, os livros foram dispersos, as histórias perderam os fios de Ariadne e os monstros que mastigavam as entranhas dos que liam deixaram de existir. O salto para o abismo se deu entre a realidade e a ficção. (*) Assim, o bicho raivoso da vaidade desumanizou e fez das suas noites outras bocas, outros corpos.
A reação humana rasgou o tempo, cortou as letras, os segredos, as palavras, o gosto e as fotos. Não bastasse devorou o próprio coração, assim como Rimbaud, lentamente. Reconstruirá um Frankenstein somente amado por seu criador ou uma Alma Mahler inflável e amada por Kokoschka?
Alma Margaretha Maria Schindler ou Alma Mahler-Werfel (1879-1964) de Oscar Kokoschka (1886-1980). A boneca Alma Mahler. Projeto/desenho de Kokoschka para a feitura em tamanho natural s/d.
Da pedra bruta brotou uma flor rara. Da brutal fragilidade nasceu um vento forte para as ondas de um mar tempestuoso.
“Agora
já
não navega
nem tampouco vive
erra
se
escrito”
( C. Vogt, Marinheiro Pessoa**)
Louise Bourgeois (1911–2010) Cama azul, 1998 gravura 49,5 x 67,3 cm.
Nota:
(*) Foucault: “A ficção consiste não em fazer ver o invisível, mas em fazer ver até que ponto é invisível a invisibilidade do visível.” (Foucault, 1990)
(**) Carlos Vogt. O Itinerário do Carteiro Cartógrafo – Cantografia. São Paulo: Massao Ohno, 1982.
É importante dizer que não é a quantidade de ‘bilhetes’ que sustenta esse texto, mas como a memória exercita seu papel diante da vida. São 21 anos costurados com conteúdo, temporalidades, crenças, dores, políticas, guerras, cores, sabores, amores e valores, em salas de cinemas que não existem mais, tal como o Cineclube Bixiga. No cineclube nasceu minha paixão por Truffaut (1932-1984) ou por todos da Nouvelle Vague.
Pela resistência da Mostra Internacional de Cinema que pulsa dedico o Manto II, a Leon Cakoff (1948 -2011) e à Renata de Almeida (1965-).
Sempre acompanhei os esforços deles e posteriormente a bravia trajetória de Renata para manter as Mostras, trazer diretores, atores, atrizes para debates, enfim, um grande evento anual imprescindível à nossa cultura e com a nossa participação no juri popular.
Manto II – Cinema, maio 2020. tecido 2, 6 m x 54 cm. Linha, agulha e bilhetes de cinemas.
O sorriso da memória vem com a imagem de Samira Makhmalbaf (1980-), após assistir A Maçã. Vem com Radu Mihăileanu (1958-), pelo Trem da Vida. Por conhecer Amos Gitai (1950-), Kusturica (1954-), entre tantos outros.
Há uma infinidade de descobertas, de alimentos à alma, porque cultura é mais do que as belas artes. É memória, é política, é história, é técnica, é cozinha, é vestuário, é religião etc… Onde é dado o sentido do tempo, do visível, do invisível, do sagrado, do profano, do prazer, do desejo, da beleza e da feiura, da bondade e da maldade, da justiça e da injustiça.* Por vezes, um limite tênue entre o básico e o nada; entre a luta e o abandono; entre o desemprego e o desespero à estranha derrota. Talvez, seja esse o motivo para costurar o MANTO, bordar, furar, sangrar, lembrar, criticar e me colocar como Michel Aubry (1959 -) quando costurou “mobílias, instrumentos, tecidos…”: mantos históricos e com seus “sintomas políticos e sociais.” **
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Filmes listados:
A Vida é Bela. Grupo Severiano Ribeiro, 22 fevereiro 1999, às 16:20 h.
Wilde. 25 fevereiro 1999. Alvorada Cinemat. – Sala Cândido Portinari, às 21:45 h.
Barroco Balcânico. Mostra Internacional de Cinema – sala Auditório, 16 outubro 1999, às 12:15 h.
Garotas do futuro. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc 17 outubro 1999, às 13:15 h.
A Humanidade. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc, 17 outubro 1999, às 15:00 h.
Simon Magnus. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc, 17 outubro 1999, às 17:45 h.
Mero Acaso. Mostra Internacional de Cinema – Cine Arte 1, outubro 1999, às 18h.
Agarrando Sonhos. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc, 23 outubro 1999, às 12:00 h.
Um só pecado. 5 março 2000, às 21:30 h.
Uma boa dona de casa. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc, 17 outubro 1999, às 17:45 h.
E aí meu irmão cadê você. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc, 20 outubro 2000, às 16:10 h.
Cerca de la frontera. Mostra Internacional de Cinema, Cine Unibanco 1, 20 outubro 2000, às 20:25 h.
Minha vida em suas mãos. Mostra Internacional de Cinema – Unibanco 1, 20 outubro 2000, às 22:15 h.
Leste-Oeste o amor no ex…. Mostra Internacional de Cinema, Sala vitrine, 21 outubro 2000, às 14:00 h.
Canções do segundo amor. Mostra Internacional de Cinema, Cine Unibanco 1, 21 outubro 2000, às 16:30 h.
A deusa de 1967. Mostra Internacional de Cinema – MASP, 21 outubro 2000, às 20:40 h.
A lenda de Rita. Mostra Internacional de Cinema, Unibanco 1, 22 outubro 2000, às 14:00 h.
O recrutador. Mostra Internacional de Cinema, Unibanco 1, 22 outubro 2000, às 16:10 h.
Butterfly. Mostra Internacional de Cinema, Cine Sesc, 22 outubro 2000, às 18:35 h.
Cabecita rubia. Mostra Internacional de Cinema, MASP, 22 outubro 2000, às 20:50 h.
Bastardos no paraíso. Mostra Internacional de Cinema, Cine Sesc, 22 outubro 2000, às 22:30 h.
Porno film. Mostra Internacional de Cinema, Cine Arte, 23 outubro, às 15:50 h.
Pele de homem, coração de besta. Mostra Internacional de Cinema, Cine Vitrine, 23 outubro 2000, 17: 25 h.
A origem do homem. Mostra Internacional de Cinema – Cine Arte, 23 outubro 2000, às 21:40 h.
Antes do anoitecer. Mostra Internacional de Cinema, Cine Arte 1, 23 outubro 2000, às 23:40 h.
Tesoro mio. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 24 outubro 2000, às 14:00 h.
Anjos do Universo. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 24 outubro 2000, às 15:35 h.
Quem tem medo de…. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 24 outubro 2000, às 17:45 h.
O jogo de Mao. Mostra Internacional de Cinema, Cine Sesc, 24 outubro 2000, às 19:30 h.
Sem descanso. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 25 outubro 2000, às 14:00 h.
Uma relação pornográfica. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 25 outubro 2000, às 16:10 h.
101 reykjavk. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 25 outubro 2000, às 19:20 h.
Segunda Piel. Mostra Internacional de Cinema, Cine Arte, 25 outubro 2000, às 21:10 h.
Luna papa. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 26 outubro 2000, às 15:35 h.
O quarto das meninas. Mostra Internacional de Cinema, Cine Sesc, 26 outubro 2000, às 17:55 h.
Virilidade e outros dilemas modernos. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 26 outubro 2000, às 21:40 h.
Thomas Pinchon – uma jornada. Cinearte, 27 outubro 2001, às 16:10 h.
Ano novo com neve. Mostra Internacional de Cinema, Cine Arte, 27 outubro 2000, às 17:20 h.
O rei está vivo. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 27 outubro 2000, às 19:35 h.
Baise Moi. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 27 outubro 2000, às 20 h.
You really got me. Cine Unibanco, 27 outubro 2001, às 00:00 h.
O dia em que me tornei mulher. Mostra Internacional de Cinema, Unibanco, 28 outubro 2000, às 17:425 h.
Fama para todos. Mostra Internacional de Cinema,Cine Arte, 28 outubro 2000, às 19:40 h.
Signos e desejos. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 28 outubro 2000, às 21:35 h.
Sábado. Cinearte, 28 outubro 2001, às 00:15 h.
Vidas. Mostra Internacional de Cinema, Cine Arte, 29 outubro 2000, às 14:00 h.
Faz de conta que não estou aqui. Mostra Internacional de Cinema, Vitrine, 29 outubro 2000, às 17:55 h.
Vatel. Mostra Internacional de Cinema, Cine Sesc, 29 outubro 2000, às 21:35 h.
Wojaczek. Mostra Internacional de Cinema, Cine Sesc, 29 outubro 2000, às 23:55 h.
Gotas de água em pedras escaldantes. Mostra Internacional de Cinema, MASP, 30 outubro 2000, às 20:30 h.
Como Samira fez o quadro negro. Mostra Internacional de Cinema, Sala UOL, 30 outubro 2000, às 15:20 h.
Alameda do Sol. Mostra Internacional de Cinema, Cine Arte 1, 30 outubro 2000, às 23:05 h.
L´Histoire de Adele H. Top Cine, 29 novembro 2000, às 22:00 h.
Waking life. Sala UOL, 30 outubro 2001, às 14:00 h.
Moulin Rouge. Cinearte, 29 agosto 2001, às 21:30 h.
A professora de piano. Cinearte, 25 janeiro 2002, às 14:10 h.
Samsara. Cine Unibanco, 19 fevereiro 2003, às 21:00 h.
Frida. Cine Unibanco, 13 abril 2003, às 14:30 h.
Kamchatka. Cinearte, 02 maio 2003, às 22:00 h.
Aos olhos de uma mulher. UCL, 19 julho 2003, às 00:30h.
Festival Anima Mundi. Auditório da Vila Mariana, 23 julho 2003, às 00:30h
A mulher gato. Mostra Internacional infantil… s/d.
SUR – Fernando Solanas. Mostra SESC de Artes Latinidades -ciclo de cinema no Cinesesc, 22 agosto 2003, às 15:00 h.
Ainda pego essa al….Cine Santa Cruz, 20 setembro 2003, às 14:30 h.
Balzac e a …. Cine Unibanco, 14 agosto 2004, às 22:00 h.
Homem Pelicano. Cine Santa Cruz — II Mostra de Cinema Infantil, 28 setembro de 2005, às 19:10 h.
Noitão (3 filmes) no Bellas Artes, sala Cândido Portinari, 12 agosto 2005, às 23:52 h.
Crime delicado. Cine Unibanco, 28 janeiro 2006, às 22:00 h.
Melissa P. – 100 escovadas antes de dormir. Mostra Internacional de Cinema – Cinemark santa Cruz 9, 20 outubro 2006, às 21:30 h.
O Caminho para Guantanamo. Mostra Internacional de Cinema – Cinemark Santa Cruz 9, 21 outubro 2006, às 21:30 h.
Sonhos com Shanghai. Mostra Internacional de Cinema – Cine Sesc, 22 outubro 2006, às 13:30 h.
Voltando ao passado. Mostra Internacional de Cinema – Cine Bombril, 23 outubro 2006, às 18:30 h.
Dias de Glória. Mostra Internacional de Cinema – Reserva Cultural 2, 24 outubro 2006, às 19:30 h.
Nue Propriete. Mostra Internacional de Cinema – Reserva Cultural 2, 24 outubro 2006, às 21:30 h.
A Soap. Mostra Internacional de Cinema – Cinemark Santa Cruz 9, 25 outubro 2006, às 21:30 h.
Arame farpado. Reserva Cultural 2, 26 outubro 2006, às 13:00 h.
Amu. Reserva Cultural 2, 26 outubro 2006, às 15:20 h.
Como festejei o fim do mundo. Cinemark Santa Cruz 9, 26 outubro 2006, às 19:00 h.
Uma verdade inconveniente. Cinemark Santa Cruz 9, 26 outubro 2006, às 21:30 h.
Oscar Niemeyer – a vida é um sopro. Cine Bombril, 18 maio 2007, às 16:00 h.
Goyas Ghost. Cine Leblon 1(RJ/RJ), maio 2007, às 16:30 h.
A Massai branca. Rio Design 3 (RJ/RJ), 22 setembro 2007, às 19:00 h.
Bem-Vindo São Paulo. Rio Design 3 (RJ/RJ), 22 setembro 2007, às 22:00 hs.
Caos Calmo. Sala 4 (cortesia), outubro 2008, às ..:15 h.
Baby love. Cine Reserva Cultural, 16 outubro 2008, às 13:10 h.
Como Albert viu as montanhas se moverem. Mostra Internacional de Cinema – Espaço Unibanco 5, 20 outubro 2008, às 16:00 h.
Fim da noite. Cine Unibanco, 03 novembro 2011, às 22:00 h.
Fim de semana em casa. Espaço Itaú de Cinema, 19 outubro 2012, às 16:00 h.
Elefante Branco. Espaço Itaú, 15 novembro 2012, às 16:00 h.
O Homem da máfia. Espaço Itaú, 01 dezembro 2012, às 11:00 h.
Na terra de amor e ódio. Espaço Itaú, 15 dezembro 2012, às 11:00 h.
A filha do pai. Espaço Itaú, 03 janeiro 2013, às 19:40 h.
Ha Ha Ha. Cine Sesc, 05 janeiro 2013, às 14:30 h.
As quatro voltas. Espaço Itaú, 20 janeiro 2013, às 20:00 h
Segredos de sangue. Espaço Itaú, 15 junho 2013, às 14:00 h.
Augustine. Sala 2, 13 julho 2013, às 21:30 h.
A bela que dorme. Espaço Itaú, 1 julho 2013, às 16:30 h.
Camille Claudel, 1915. Cine L. Cultura, 14 agosto 2013, às 18:00 h.
Ferrugem e osso. Sala 1, 16 agosto 2013, às 19:00 h.
Flores Raras. Cine L. Cultura, 17 agosto 2013, às 17:00 h.
O verão do Skylab. Cine L. Cultura, 05 setembro 2013, às 14:00 h.
A Religiosa. Sala 2, 14 setembro 2013, às 19:20 h.
Uma primavera com a minha mãe. Sala 4, 03 outubro 2013, 15:20 h.
Os belos dias. Sala 1, 16 outubro 2013, às 15:30 h.
Mar silencioso. Reserva Cultural 1, 18 outubro 2013, às 18:00 h.
Amar. Reserva Cultural, 18 outubro 2013, às 15:50 h.
Trem noturno para Lisboa. Cine L. Cultura, 29 novembro 2013, às 19:50 h.
Pais e filhos. Sala 1, 30 dezembro 2013, às 22h.
Ninfomaníaca. Espaço Itaú, 08 fevereiro 2014, às 17:00 h.
O grande hotel Budapeste. Espaço Itaú, 16 agosto 2014, às 16:00 h.
Amantes eternos. Caixa Belas Artes, 17 agosto 2014, às 14:00 h.
Viollette. Reserva Cultural, 30 agosto 2014, às 18:40 h.
Magia ao luar. Espaço Itaú, 31 agosto 2014, às 18:00 h.
Mommy. Sala 4, 25 dezembro 2014, às 21:25 h.
Relatos Selvagens. 03 janeiro 2015, às 17:00 h.
A família Bellier. janeiro 2015, às 20 h.
As Invisíveis. Cine Sala, 24 fevereiro 2020, às 14:30 h.
Parasita. Cine Santa Cruz 07, 22 fevereiro 2020, às 15:40 h.
(*) CUNHA, Maria Clementina Pereira (Org.) O Direito à Memória: patrimônio histórico e cidadania/DPH. São Paulo: DPH, 1992.
(**) Catálogo da 30ª Bienal de São Paulo, 2012, p. 228-229.
Dadá prevê seu fim e se ri disto. A morte é um assunto perfeitamente dadaísta à medida em que ela não significa nem o mais insignificante. Dadá tem o direito de se suprimir e fará uso disto quando for chegada a hora. (Huelsenbeck. In: Baitelo Junior, p. 28)
DADÁ É O CAOS, POIS A GUERRA É O CAOS. O Dadá surgiu durante a Primeira Guerra Mundial, em 1916. O Dadá é a dessacralização, a desestabilização, o contraditório e o infantil – dadá – são as primeiras palavras de uma criança com o mundo caótico e complexo. Dadá diz tudo e nada e tornou-se o mais confuso dos Manifestos experimentais da Vanguarda Modernista. Contudo, denso em seu processo na guerra e no pós-guerra.
Francis Picabia (Paris, França, 1879- Ídem, 1953) L´Oeil cocodylate, 1921. Óleo sobre tela e colagem de fotos, postais e papeis recortados. 148,6 X 117,4 c. Musée National d´ Art Moderne, Paris.
Francis Picabia (Francis Picabia (Paris, França, 1879- Idem, 1953), Rastadada picture, 1920. Colagem sobre papel 19 x 17 cm.
O Dadá teve reinterpretações em todos os lugares por onde passou. Era o próprio contexto internacional da Primeira Guerra Mundial articulado com artistas de outros movimentos. A linguagem visual Dadá é nonsense – nada de sintaxe, ou seja, o oposto da poética Futurista, o que não impediu seus adeptos no Dadaísmo. As colagens Cubistas e Futuristas não condizem com as colagens do Dadá. O Dadá acolheu a Metafisica e a expurgou para o Surrealismo, em 1924, acrescido de utopia e onirismo. Também recebeu Puristas e Expressionistas da Bauhaus.
Em meio as polêmicas, antifamília, anticlássico, os jovens artistas são deserdados, expulsos do núcleo familiar, ou mesmo, os próprios artistas rompendo casamentos, abandonando filhos, eventos que resultaram em brigas, quebra quebra proposital e decorrente, ou seja, fora do controle, com prisões e processos. Esses mesmos jovens que foram ao front, mataram, foram feridos, morreram ou retornaram com os traumas inevitáveis do pós guerra.
Ora satíricos, ora aberrativos. Em todo esse processo experimental, nomes como Franz Jung, George Grosz, Max Ernst, Huelsenbeck, Hausmann, Francis Picabia, André Breton, Paul Éluard, René Crevel, Marcel Duchamp, Kandisnsky, Picasso, De Chirico, Hannah Höch, Marcel Janco, Phillipe Soupault, Louis Aragon, Sophie Taueubr, Paul Dermée, Celine Arnaud, Man Ray, K. Schwitters, os outros. Sim, todos beberam do Movimento Dadá – Dadá é nada, i.e., tudo. (In: Baitelo Junior, 1994, 13)
Tristan Tzara (1896-1963), Andre Breton (1896-1966), Celine Arnauld (1885-1952), Paul Dermée (1886-1951), Philippe Soupault (1887-1990), Paul Éluard (1895-1952), Georges Ribemont Dessaignes (1884-1974) e Benjamin Peret (1899-1959) Foto de 1920.
Andre Breton (Tinchebray, França, 1896- Paris, França, 1966) e Louis Aragon (Paris, França, 1897- Idem, 1982). Foto de Man Ray, 1928.
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, França, 1897-Neuilly-sur-Seine, França, 1968) Fonte, 1917. 61 cm x 36 cm x 48 cm
Max Ernst (Brühl, Alemanha, 1891-Paris, França, 1976) Fruto de uma longa experiência, 1919. Pintura a óleo sobre tela relevo de madeira e arame. 45 ,7 x 38 cm.
Georges Malkine (1898-1970), René Crevel (1900-1935), Andre de la Riviere , Robert Desnos (1900-1945) , Andre Lasserre (1902-1981) Foto de Man Ray (1890-1976), em 1920.
Os escritores: Guillaume Apollinaire (Roma, Itália, 1880-Paris, França, 1918) e André Rouveyre (Paris, França, 1879-Barbizon, França, 1962) Livro animado de 44 páginas, preto e branco, 1914.
Hannah Höch (Gota, Alemanha, 1889-Berlim, Alemanha, 1978) Com seus objetos dadaístas,
Dadaístas 1920. Louis Aragon (1897-1982), Theódore Fraenkel (1896-1964), Paul Éluard (1895-1952), Clément Pansaers (1885-1922), Emmanuel Fay, Paul Dermée (1886-1951), Philippe Soupault (1897-1990), Georges Ribemont-Dessaignes (1884-1974). Tristan Tzara (1896-1963), Celine Arnauld (1885-1952), Francis Picabia (1879-1953), André Breton (1896-1966).
Francis Picabia (Paris, França, 1879- Idem, 1953) machine turn quickly, 1916. Guache sobre cartão 49 x 32 cm.
René Crevel Paris, França, 1900- Ídem, 1935) e Tristan Tzara (Moineşti, Romênia, 1896-Paris, França, 1963) Foto Man Ray (Filadélfia, Pensilvânia, EUA, 1890-Paris, França, 1976),1928.
Do Cabaret Voltaire (Suíça, 1916) à Primeira Feira internacional Dadaísta (Berlim, 1920):
“O homem dadaísta é adversário radical da exploração… Portanto, mostra o homem DADAÍSTA como VERDADEIRAMENTE real diante da fedorenta mentira do pai de família e capitalista espreguiçando em sua poltrona.” (Hausmann. In: Baitelo Junior, p. 68)
A crise da cultura internacional acionada pela guerra colocou em xeque o objeto artístico ou o conteúdo contido na obra:
A verdadeira arte será antiarte… reduz-se assim a uma pura ação… Dadá não quer produzir obras de arte, e sim ‘produzir-se em intervenções (…) o Dadaísmo propõe uma ação pertubadora, com o fito de colocar o sistema em crise, voltando contra a sociedade seus próprios procedimentos… utilizando de maneira absurda as coisas a que a ela atribuía valor. (ARGAN, 1992, p. 356)
Marcel Duchamp ao colocar um bigode na Monalisa, contestou o valor comum. Nada pessoal ao grande Leonardo da Vinci, nem mesmo a Gioconda, mas os tempos são outros. No readymade, Duchamp brincou com os valores de objetos comuns como a roda da bicicleta, o mictório e os expôs a sociedade internacional para que refletisse sobre a guerra – quando tudo ao redor é morte ou quando o progresso se interliga a morte no discurso da guerra e na associação do desenvolvimento científico e tecnológico. Por isso, o Dadá rejeitou as técnicas anteriores. O importante é que houve uma ação questionadora e pertubadora que instigou a civilização a pensar e a começar do zero: a obra é mental.
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, França, 1897-Neuilly-sur-Seine, França, 1968) Fonte, 1917. 61 cm x 36 cm x 48 cm
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, França, 1897-Neuilly-sur-Seine, França, 1968) Roda de Bicicleta, 1913. ready-made, madeira e metal. 1, 26 x
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, França, 1897-Neuilly-sur-Seine, França, 1968) L.H.O.O.Q., 1919. readymade retificado 0,20 x 0,13 cm
Rrose Selavy é o alterego feminino de Marcel Duchamp (1887-1968). Foto de Man Ray, 1920. Atenção aos trocadilhos: Selavy – c’est la vie (esta é a vida); Arroser la vie (beber a vida) e quando acrescentou mais um R (er) a Rose= Rrose, pronuncia-se em francês eros c’est la vie (Eros é a vida)
Jovens, doenças, guerras e amores
Os jovens refugiados proclamaram o Dadá em território neutro. Mas o Dadá sobrepôs fronteiras porque todos sentiam-se refugiados durante a guerra. A juventude artística gritou em Paris – os jovens combatentes poetas, pintores, articuladores do pensamento libertário promoveram encontros, escreveram em revistas, montaram exposições e performances.
A tuberculose, doença infectocontagiosa, atormentou muitos jovens dos séculos 19 e 20, embora sua existência remonte oito mil anos. O termo só foi cunhado em meados do século 19, antes era conhecido como peste branca. Muitos procuraram os bons ares em um sanatório na Suíça, obviamente dispendioso, contudo, eficaz no isolamento de bons ares dos Alpes – os ‘sanatórios’ eram comumente conhecidos como hospitais para tratamento da tuberculose.
O poeta René Crevel era um tuberculoso. Foi para a guerra e sobreviveu para ser um Dadaísta. Abandonou os estudos sobre Diderot, e já bem doente cometeu suicídio. Ele era amigo de outro Dadaísta doente dos pulmões, o poeta Paul Éluard (Eugène Emile Paul Grindel).
Paul estava internado em um sanatório quando conheceu Gala (Elena Ivanovna Diakonova), a russa por quem se apaixonou durante o tratamento. Receberam alta e cada qual foi para seu lar, ela para a Rússia e ele para a França. Entre cartas, a guerra começou. Éluard foi para o front e ficou algumas vezes hospitalizado no meio do caos.
Meu ideal não está mais no céu,
E lanço meu estribilho
Às estrelas… em teus olhos! (Paul Eluard, 1913. In: Bona, p. 36)
Paul Eluard (Saint-Denis, França, 1895- Charenton-le-Pont, França, 1952) e Gala (Cazã, Rússia, 1894-Port Lligat, Espanha, 1982) no baile à fantasia no sanatório em Clavadel. Foto com dedicatória a Andre Breton: “Paul vestido de Gala”, 1913.
Max ErnstMax Ernst (Brühl, Alemanha,1891–Paris, França,1976) Gala Eluard. Óleo sobre tela, 81,3 x 65,4 cm, 1924. Coleção de Muriel Kallis Steinberg Newman, doação de Muriel Kallis Newman, 2006.
René Crevel Paris, França, 1900- Ídem, 1935) e Tristan Tzara (Moineşti, Romênia, 1896-Paris, França, 1963) Foto Man Ray (Filadélfia, Pensilvânia, EUA, 1890-Paris, França, 1976),1928.
Paul Eluard (Saint-Denis, França, 1895- Charenton-le-Pont, França, 1952) e Gala (Cazã, Rússia ,1894-Port Lligat, Espanha, 1982), 1913. Museu de Saint-Denis. Foto atelier René Jacques.
Paul Eluard (Saint-Denis, França, 1895- Charenton-le-Pont, França, 1952) e Andre Breton Tinchebray, Tinchebray-Bocage, França, 1896- Paris, França, 1966) Foto Man Ray, 1928.
Em 1917, Paul e Gala se casaram em Paris durante a ocupação alemã – ela aos 22 anos e ele aos 21 anos. Gala foi o motor do amor na guerra, ela saiu da Rússia durante a queda do Império e a Revolução Russa, atravessou territórios de trem em plena Primeira Guerra Mundial.
Gala tornou-se a musa de seus poemas, musa de sua vida, mãe de sua filha e uma Dadaísta, ou melhor, a mulher de um Dadaísta, assim era o mais comum. As mulheres ajudavam, mas não eram reconhecidas, salvo exceções da poetisa Celine Arnaud (esposa de Paul Dermée – ela se suicidou em 1952, um ano após a morte do marido) e das pintoras Hannah Höch, Sophie Taeubr (esposa de Arp) e Sonia Delaunay (esposa de Robert).
“Vivam as concubinas e os concubistas!” (Picabia) Dadá odeia hábitos e convenções, tolera o amor, mas detesta o casamento. (In: Bona, 1996, 117)
Francis Picabia abandonou esposa e filhos. André Breton se separou e sua amante casada decidiu agir conforme o Dadá, e num acesso de fúria:
Destruiu fotos, cartas, livros de Apollinaire com dedicatória, textos manuscritos de Jacques Vaché e alguns quadros – dois Derain, três Marie Laurencin, um Modigliani. Inspirada pelos métodos de Tzara e seu bando – destruir tudo, dizia Dadá -, verdadeira Átila. (…) Ela apenas deixou uma mensagem em forma de poema dadaísta: “Tudo remonta à mais recuada Antiguidade, as pichações que encantam os menininhos não passam nunca de corações e triângulos cercados de fogo.” (In: Bona, p. 117-118)
A Dadaísta não oficial, Georgina Dubreuil, desapareceu depois do ocorrido. “Breton ficou em choque”: os livros e dedicatórias de Apollinaire se foram. Apollinaire foi seu amigo, poeta italiano naturalizado francês que lutou pela França – foi soldado da artilharia e sobreviveu aos ferimentos na cabeça, mas faleceu em 1918 de gripe espanhola.
Breton deixou a medicina e rompeu com a família. Em 1921 casou com Simone Kahn, considerada uma intelectual não Dadaísta. Louis Aragon também deixou os estudos em medicina e rompeu com a família.
O casal Éluard, a despeito de todos os abandonados no amor ou na guerra, manteve-se firme. A força do amor se expandiu quando em 1921, Max Ernst, um desertor da artilharia alemã e Dadaísta deserdado pelo pai, expôs em Paris suas colagens e pinturas. Tão logo Paul Éluard e Max Ernst se conheceram, tornaram-se ‘irmãos’; descobriam que por pouco não se enfrentaram na guerra em 1917, no front em Somme, eles estavam frente a frente, ambos soldados em trincheiras inimigas. (In: Bona, p. 138)
Ernst era conhecido como DadaMax, entre os títulos honoríficos Dadaístas.[i] Éluard tornou-se o melhor amigo e meio de Ernst, passando a escrever sobre suas pinturas. Também escreveram juntos poemas e passaram a dividir os braços de Gala, sem rivalidades. Éluard deixou que Gala vivesse o amor sem cobranças. Ela amou Paul e Max de maneira Dadaísta, mas o clube masculino Dadá se ressentiu de Gala. A resposta de Dadamax ao clube, foi inserir Gala numa pintura como parte do grupo Dadaísta e inseriu Doistoiéviski, abominado pelos Dadaístas e amado por Gala. Dadamax aproveitou o ensejo do amor e inseriu o Renascentista Rafael Sanzio, também abominado pelo grupo.
Em Au rendez-vous des amis, Ernst numerou os personagens de 1 a 17… ele próprio leva o número 4 (sentado no colo de Dostoiéviski), Eluard, o número 9. Entre todos esses homens, uma única mulher, o número 16: Gala… Breton parece presidir a sessão… Aragon… Crevel toca um piano invisível… Perét como seu monóculo, Desnos meio apagado… (In: BONA, p. 155)
MAX ERNST. Le rendez-vous des amis, 1922. De pé, da esquerda para a direita: Philippe Soupault (1887-1990), Jean Arp (1886-1966), Max Morise (1900-1973), Rafael Sanzio (1483-1520), Paul Éluard (1895-1952), Louis Aragon (1897-1982), André Breton (1896-1966), Giorgio de Chirico (1888-1978) e Gala Éluard (1884-1982). Sentados, de esquerda para a direita: René Crevel (1900-1934), Max Ernst (1891-1976), Fiódor Dostoyevski, Théodore Fraenkel (1896-1964), Jean Paulhan (1884-1968), Benjamin Péret (1899-1959), Johannes Theodor Baargeld (1892-1927) e Robert Desnos (1900-1945). Museum Ludwig, Colonia.
Em 1922, mesmo com o discurso de abandonar tudo, Éluard continuou a declarar seu amor à Gala e sua enorme admiração por seu amigo-irmão Ernst, ajudando-o financeiramente. Ernst pintou muito a Gala mas algumas dessas telas foram destruídas durante a Segunda Guerra Mundial, em 1937, com o argumento de “arte degenerada”.
Paul Éluard deixou de escrever sobre as dores da guerra e passou a escrever sobre as dores do amor.
O desespero não tem asas,
Nem o amor
Não me mexo,
Não os olho, Não lhes falo
Mas estou tão vivo quanto meu
amor e meu desespero.
(Paul Éluard, Nudez da verdade, da coletânea Morrer de não morrer. (In: Bona, 167)
Paul Éluard desapareceu em março de 1924. Dois meses depois escreveu a Gala do Taiti. Paul, Gala e Max se reencontraram em Saigon. De lá, retornaram Paul e Gala sem Max Ernst. Ao chegarem em Paris, o Surrealismo eclodiu sob a égide de André Breton.
Referências:
ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna. Tradução Denise Bottmann & Federico Carotti. São Paulo: Companhia das Letras, 1992.
BAITELO JUNIOR, Norval. DADÁ-BERLIM DES/MONTAGEM. São Paulo: ANNABLUME, 1993.
BONA, Dominique. GALA. Tradução de Clóvis Marques. Rio de Janeiro: Record, 1996.
BORRÀS, Maria Lluïsa. PICABIA. New York: Rizzoli, 1985.
DIEHL, Gaston. Max Ernst. New York: Crown publishers, 1973.
GOMBRICH, Ernst H. J. História da Arte. Tradução Álvaro Cabral. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
MADEIRA, Gisele (dissertação) Pulsações de formas, cores e temas: imagens do cotidiano da obra de um artista (1967 a 1988) PUC/SP, 1995.
MENEZES, Philadelpho. A crise do passado. São Paulo: Experimento, 1994.
SANOUILLET, Michel (apresentação) DADÁ – Réimpression intégrale et dossier critique de la revue publiée de 1916 à 1922 par TRISTAN TZARA. Nice: Centre du XX e siècle, 1976.
SCHAPIRO, Meyer: AArte Moderna séculos XIX e XX. Tradução Luiz R. M Gonçalves. São Paulo: Edusp, 1996.
STANGOS, Nikos (Org.) Conceitos da Arte Moderna. Tradução Álvaro Cabral. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1991.
[i] Havia uma relação de dadaístas como títulos honoríficos. Raoul Hausmann era Dadásofo; George Grosz era Politidadá; Richard Huelsenbeck era Dadamundi; Franz Jung era Dadanarquista, entre outros. In: Baitelo Junior, 1994, p. 106)
Hoje, a antiarte é praticamente um nome agressivo para a arte moderna. Para Duchamp, porém, ela aparecia como a fratura possível entre o gesto criador e o objeto artístico.(Rodrigo Naves. Duchamp: cínico, cético, trágico. In: O vento e o moinho, 2007, p. 441.)
&
“Só um detalhe diante de todo esse massacre, que ainda visualizo… uma mulher, deitada de costas, no chão, atada ao eixo de um carro pelo pescoço e ombros, para não poder virar a cabeça. Ela não havia sido queimada nem degolada viva. Mas sua expressão estava convulsionada. Claramente ela havia morrido de pavor. Diante dela, havia uma grande estaca fincada no chão. E um bebê nu, amarrado nela. Totalmente queimado, os olhos arregalados. Ao lado, uma grelha com cinzas de carvão” (1)
A participação de Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, França, 1887- Neuilly-Sur-Seine, França, 1968) no DADÁ e sua renúncia voluntária à uma arte rica em material sensível, foi de uma coerência histórica, ética, cínica e cética (2) em meio a tragédia da Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e das guerras concomitantes.
Duchamp estudou o Impressionismo, flutuou entre o Fauvismo e o Cubismo e não se interessou pela teoria do Futurismo, mas se encontrou com a antiarte Dadá. No Surrealismo chegou a ser considerado por Breton, o homem mais inteligente do século 20. (3)
O século 20, abarcou as duas grandes Guerras Mundiais como males necessários que através dos tempos tornou-se uma calamidade tolerada. A guerra é a grande pátria, honorável pela coragem de seus soldados e sagrada em nossa história – dos deuses aos santos e sob as imposições politicas e religiosas.
Marcel Duchamp fugiu da guerra e de todo o discurso de tolerância. Ele saiu da França e foi para os EUA, em 1914. Quando o patriotismo estadunidense foi à guerra, em 1918, ele embarcou para a Argentina – um país neutro. Lá ficou sabendo da morte de seu irmão Pierre Maurice Raymond Duchamp Villon (1876-1918), artista, soldado e médico que morreu de febre tifóide no final da guerra.
Marcel Duchamp (1887-1968). Foto Man Ray, 1916.
Também tomou conhecimento da morte de escritor e pugilista Arthur Cravan (1887-1918), Dadaísta controverso, de tom e gestos agressivos (4), contudo um Dadá convicto que ao fugir da guerra, como desertor, foi para o México com a poeta Mina Loy (1882-1966) e se casam. O dinheiro da passagem dela para os EUA foi conseguido com uma luta de boxe da qual Cravan entrou bêbado no ringue e foi nocauteado por um pugilista profissional. Após o Dadá-boxe, Cravan embarcou em um barco sozinho, com a promessa de encontrar sua amada Mina Loy nos EUA, mas ele desapareceu no Golfo do México, para onde levou sua maior obra Dadá, mas antes não resistiu ao casamento tal como Duchamp, Breton, entre outros, lembrando que sempre foram anticasamentos.
A bandeira de Duchamp se desdobrou em não gerar filhos para a guerra, pois a guerra tornou-se outra grande guerra. As duas grandes Guerras Mundiais foram marcas históricas da geração desses artistas. Por isso, nenhum teórico foi mais coerente (embora tenha casado duas vezes (5). Duchamp se defendeu o quanto pode da família, ou da sociedadeque, segundo ele, força você a abandonar suas ideias reais para trocá-las por coisas aceitas por ela. (6)
O ver, puramente retiniano tornou-se empilhamentos de corpos, fugas e barbáries. Tudo com muito cheiro de carne humana. A fase dadaísta de Duchamp, foi intensa no aprimoramento Conceitual na Arte, paralelo a morte da pintura, com o odor nauseabundo do contexto histórico, do qual teorizou e criou uma vanguarda dadaísta. Sua irmã, Suzanne Duchamp (1889-1963), a quarta dos seis irmãos Duchamp, também era artista e partícipe do dadaísmo, além de enfermeira na guerra.
Suzanne Duchamp (1889-1963), c. 1926. Foto Man Ray.
Da direita para esquerda: ou do mais velho ao mais novo. Jacques Villon (1875-1963), Raymond Villon (1876-1918) e Marcel Duchamp (1887-1968), ou, os irmãos Duchamp. Em Puteaux. França, c. 1913.
Suzanne manteve estreitos laços com seu irmão Marcel. Assinou o Manifesto Dadá, em uma contraposição ao fascismo Futurista de Marinetti. Ela se tornou uma Dadaísta, a partir do conhecimento minucioso sobre os ready-mades e a necessidade do Conceito da arte-não arte de Marcel Duchamp.
Raymond Villon (1876-1918), Baudelaire, 1911.
Raymond Villon (1876-1918) , Maggy, 1912.
Jacques Villon (1875-1963), O jogo da solidão, 1904.
Jacques Villon, o jantar â mesa, 1912.
Suzanne Duchamp (1889-1963). Multiplicação quebrada e restaurada, 1919.
Suzanne Duchamp (1889-1963). Fábrica de meus pensamentos, 1920.
Suzanne Duchamp (1889-1963) Infeliz readymade de Marcel, 1920.
Suzanne Duchamp (1889-1963) Solitude, funil de solidão, 1921.
Suzanne se casou em 1919 com o pintor suíço Jean Crotti (1878-1958), amigo de Marcel Duchamp. Crotti também assinou o Manifesto Dadá. Suzanne Villon Crotti, mesmo com sua boa arte alcançou pouco, como as demais mulheres de sua época. O irmão mais velho de Marcel e Suzanne , Gaston Duchamp (1875-1963), também foi artista e ficou conhecido pelo peseudônimo Jacques Villon; na guerra ele foi um soldado-cartógrafo.
Francis Picabia (1879-1953) foi o motor do Dadá suíço na França, nos EUA e na Espanha. Ele, por sorte, não foi deserdado pelo pai, prática comum naquela época. Casado desde 1909 com a escritora e crítica de arte Gabrièle Buffet (1881-1985), ele vivia de regalias financeiras que foram suportes para viagens, investimentos artísticos, ajuda aos amigos e tipografias de duas revistas criadas para o Dadá. Picabia foi um Dadá rico e com uma arte rica em teoria, amigo dos irmãos Duchamp e de forte laço com Marcel Duchamp – que sempre afirmou ter sido Picabia o articulador, a voz artística do Dadá em várias linguas. Picabia foi um dos poucos a não abraçar o Surrealismo, em 1924. (7)
O tripé, Marcel Duchamp, Picabia e Man Ray (1890-1976), criou o Dadá Conceitual, a partir de encontros de longas interlocuções.
Man Ray (1890-1976) Rayografia ou Rayograma (série), 1922.
Man Ray (1890-1976). Cabideiro, 1920.
Man Ray (1890-1973) & Marcel Duchamp (1887-1968). Geração de poeira, 1920.
Man Ray (1890-1973), autorretrato, série suicídio, desde 1917 com versões 1926, entre outras.
Arthur Cravan (1887-1918), México, 1918.
Man Ray (1890-1976) Preto e Branco (com Mina Loy), 1926
Francis Picabia (1879-1953), desfile amoroso, 1917.
Man Ray foi o pseudônimo de Emanuel Radnitzky, fotógrafo dos Impressionistas, Expressionistas, Fauvistas, Cubistas, Dadaístas e Surrealistas. O Dadá o instigou a criar, interferir e registrar. Man Ray enriqueceu e ampliou o conceito de fotografia e com Duchamp foi para o Surrealismo.
(1) Texto retirado do filme: MALMKROG. Direção Cristi Puiu. Co-produção Romênia, Sérvia, Suíça, Bósnia-herzegovina, Macedônia do Norte, 2020. Cor. 200 min. Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Baseado no texto do filósofo Russo Vladimir Soloviov. No filme, a personagem lê uma carta de seu marido, um general cossaco que relata o massacre de uma aldeia Armênia pelo Turcomanos, durante a Primeira Guerra Mundial. A intenção aqui, é mostrar os conflitos concomitantes a Primeira Guerra, período tratado nesse texto. A carta dizia que os soldados Turcomanos deixaram uma cozinha: assaram mulheres e crianças vivas; além do estupro, seios arrancados, barrigas abertas.
(2) NAVES, Rodrigo. O Vento e o Moinho: ensaios sobre arte moderna e contemporânea. São Paulo: Companhia das Letras, 2007. p. 437-438.
(3) CABANNE, Pierre. Marcel Duchamp: engenheiro do tempo perdido. São Paulo: Perspectiva, 2001, p. 24.
(*) Independente do desinteresse de Duchamp pela teoria do Futurismo, algumas obras foram consideradas do Futurismo. Seus irmão Jacques Villon e Raymond Villon também têm obras do período da efervescência do Futurismo. O mesmo ocoorreu com Max Ernst, Picabia, Picasso, entre outros . In: Futurismo & Futurismi: a cura di Pontus Hulten. Milão: Gruppo Editoriale Fabbri Bompiani, 1986, p. 280-281; 282.; 287.
(4) Segundo Duchamp: Cravan insultou muitas pessoas, entre elas, Sonia Delaulay e Marie Laurencin, no Salão dos Independentes, em 1914. Criando inimizades. In: Cabane, p. 89.
(5) Casou duas vezes. O primeiro casamento com Lydie Sarazin Levassor, de 1927 a 1928 – foram 6 meses de casamento até o divórcio consensual, com as testemunhas vitais de Picabia e Man Ray. O segundo casamento com Alexina Duchamp, de 1954 a 1968; Alexina, no casamento anterior, foi nora de Henry Matisse.
(6) Cabanne, p. 131. Resposta de Duchamp sobre a pergunta de Cabanne: Você se defendia sobretudo da família.
(7) Picabia se indispôs com André Breton, mesmo assim, Breton chegou a divulgar uma obra de Picabia em uma revista Surrealista.
Referências:
ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna. Tradução Denise Bottmann & Federico Carotti. São Paulo: Companhia das Letras, 1992.
BAITELO JUNIOR, Norval. DADÁ-BERLIM DES/MONTAGEM. São Paulo: ANNABLUME, 1993.
BONA, Dominique. GALA. Tradução de Clóvis Marques. Rio de Janeiro: Record, 1996.
BORRÀS, Maria Lluïsa. PICABIA. New York: Rizzoli, 1985.
MAN RAY Fhotographe. Introduction Jean-Hubert Martin. Paris: Philippe Sears, 1981.
SCHAPIRO, Meyer: AArte Moderna séculos XIX e XX. Tradução Luiz R. M Gonçalves. São Paulo: Edusp, 1996.
STANGOS, Nikos (Org.) Conceitos da Arte Moderna. Tradução Álvaro Cabral. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1991.
Para dialogar historicamente com essa fase de Oswaldde Andrade é necessário resgatar a base institucional e artística adaptada aos trópicos, ou seja, a importância do Neoclassicismo Francês no Brasil, perfilado por um Barroco endógeno e um percurso academicista cutucado pelo nacionalismo internacional da Primeira Guerra Mundial e dos Movimentos da Vanguarda europeia. Sabemos que toda essa história culminou na Semana de Arte de 1922.
Quando finda o Neoclássico na França, começa uma nova adaptação do Neoclássico no Brasil com a chegada da Missão Artística Francesa, em 1816. Em seguida, o Realismo francês assumiu uma importante função social até a entrada dos Movimentos de Vanguarda quando os valores estéticos, técnicas, aspirações são discutidas através de inúmeras possibilidades. No Brasil, a lingua francesa entranhou nos costumes no Império. A base da arte no Brasil derivou de um discurso monárquico que se desdobrou em um academicismo subserviente para os artistas nascidos aqui.
No mais, o Barroco no Brasil não terminou no século 19, com a vinda dos Neoclassicistas franceses, segundo Eugenio D’Ors (Machado, 2003), o Barroco criou uma amálgama conceitual chamada EON (potência re-criadora), hoje encontrada nas igrejas neobarrocas.
O processo histórico, cultural e artístico brasileiro de 1922 equiparou, não facilmente, as discussões sobre a Arte Moderna na Europa. Sabemos, muito claramente, a importância do Expressionismo de Anita Malfatti (de seus estudos na Alemanha e EUA), que lhe valeu a histórica crítica negativa de Monteiro Lobato, mas também, a histórica defesa de sua arte por Oswald de Andrade, entre outros. Sabemos da importância do Cubismo em Tarsila do Amaral (e seus estudos na França), do Surrealismo em Ismael Nery, enfim, tivemos representantes dos movimentos da vanguarda europeia, além de teóricos de nossas próprias manifestações com Oswald de Andrade e Mario de Andrade, antropofagicamente e de reconhecimento de nossa cultura.
Mas, e o Dadá no Brasil? As premissas do Dadá não foram fáceis de serem assimiladas, seja pelo discurso antiarte ou antiguerra. O Brasil esteve neutro em quase todo o período da guerra. E a elite cafeeira em processo de urbanização e industrialização, contudo, a política e a economia dependentes de países em guerra. Com características particulares essa elite, em 1914, apenas 26 anos da abolição da escravidão no Brasil -, aceitou o abandono dessa população, a limpeza social e fluxo migratório (branco) como mão de obra substituta.
Nossa segunda lingua era o francês e a nossa elite de ascendência estrangeira. Os filhos bem-educados, poliglotas estavam sempre antenados aos acontecimentos na França e, posteriormente, nos EUA.
Do ponto de vista artístico, o intelectual e escritor Oswald de Andrade, já em artigo de 1912, reclamaria características nacionais para a arte do país, reivindicando uma forma de expressão que não fosse a arte acadêmica consagrada na Europa. (AMARAL, 2004, p. 22)
Antes de ser um teórico da Semana de Arte de 1922, de criar o Manifesto Antropofágico, Oswald foi o Cozinheiro das Almas, em um reduto masculino, alimentado pela liberta DadaCyclope.
La femmeCyclope, uma história de amor
Alguns dos intelectuais da cidade de São Paulo foram acolhidos por Oswald de Andrade, em 1918, registrado em um diário de encontros do cozinheiro com asalmas perdidas. O anfitrião e seus convidados, em português ou em francês, debatiam ou escreviam, filosofavam, faziam críticas, desenhavam, colavam, nem sempre com sentido, pois experienciavam possibilidades, brincavam com seus codinomes, bebiam e comiam. O contexto artístico-literário desse momento tinha a “verve parnaso-a-cadêmica …nossa leviana e retardada belle èpoque.” (2)
O reduto intelectual masculino amalgamado pour la femme Cyclope quebrou protocolos, discursos da época e a quebra de seus pares frente à uma mulher que ia e voltava sem nada dizer ou dever. Não só, de inteligência impetuosa e poética.
Cyclope, um dos apelidos, tal como todos os reunidos. Mas o que se passou entre 1917 e 1919 transformou a todos, dolorosamente, com a morte da jovem poeta.
Oswald de Andrade e Maria de Lourdes, Ou, Miramar e Cyclope, c. 1917.
Eles vinham comparando-a com Dulcinéa, o amor de dom Quixote. Ela respondia na escrita: – Primeira receita – Nos casos de amor á Dulcinéa prefira-se a Dulce núa. Foram Inúmeros textos com derivações à Cyclope: A Cyclope é o grande vício desta vida (3). Até o último instante ela não parava de expressar.
Começo a prever que também já tenho meu coração de moça, e de menina, estrangulado por um sentir devotado e malígno, mordido pela volupia da vida incognita que me offerecem. (4)
Evidentemente, todos esses atributos mexeram com seus admiradores, mas no covil, ela era la femme de Oswald de Andrade. Fora do grupo, Cyclope amava em liberdade quem quisesse. Oswald sabia e a respeitava. Ela era o riso inteligente de uma boa conversa; era a volúpia diante dos valores morais da época. Desde cedo, uma poeta de lingua afiada. Viveu pouco, partiu como muitas mulheres, até hoje, decorrente de um aborto clandestino malsucedido. Sua poesia sumiu, perdeu-se no reduto masculino. Ela era “um embrião caótico”, “musa polifônica”, “musa palimpséstica” em ‘guerra’ com o universomasculino… ela era a novidade da estrutura aleatória e da forma ready-made para o Pré Modernista de1922. (5)
Cyclope com sua mecha vermelha, 1918. In: O perfeito Cozinheiro das almas deste mundo, p. 29.
O Cozinheiro MIRAMAR das almas deste mundo, 1918, p. 109.
Postais colados nas páginas do coletivo, 1918, p. 85.
colagens e textos, 1918, p. 71.
Textos diversos das almas perdidas 2018, p. 16.
Todos a amavam, até mesmo, os inicialmente reticentes. Outros explicitamente desejavam-na com total ciência de Oswald. Ela era o manifesto Dada em pessoa, em um núcleo intelectual elitista, em parte, conservador. Todos a respeitavam porque ela os enfrentava. Cyclope bailava entre eles; essa era a beleza que transbordava.
Por fim, a nota de falecimento de Cyclope e a referência do tempestuoso casamento com Oswald em seus últimos dias. Ela só tinha dezenove anos. Todos os manuscritos dela se perderam – Oswald, em um determinado momento da vida, assumiu a culpa da perda desses manuscritos, pois estavam com ele. Quanto a culpa pela morte anunciada, ao sabê-la moribunda, colocou-se responsável, casando-se com ela.
Dona Maria de Lourdes Castro de Andrade – falleceu, hontem, nesta capital, a exma. Sra. Maria de Lourdes…., ha dias casada como nosso distincto collega de imprensa e ex comoanheiro de redação, bacharelando Oswald de Andrade. (…) A Dayse o teu pobre Oswald… (Agosto, 25, 1919. Colagem de recorte de jornal na última página do Diário Coletivo)
Nota de falecimento de Cyclope, 25 de Agosto de 1919. Colada na última página s/n do Diário Coletivo.
Referências:
AMARAL, A. A. Artes Plásticas na Semana de 22. São Paulo: Editora 34. 1998, segunda Reimpressão, 2004.
ANDRADE, Oswald de. O Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo. Diário coletivo da garçonière de Oswald de Andrade. São Paulo, 1918.Edição fac-similar. Textos de Mário da Silva Brito & Haroldo de Campos. Transcrição tipográfica de Jorge Schwartz. Editora Ex Libris, 2015. (A Garconière era o codinome do apartamento).
MACHADO, Lourival. Barroco Mineiro. São Paulo: Perspectiva, 2003.
MICELI, S. Nacional Estrangeiro: História Social e Cultural do Modernismo Artístico em São Paulo. São Paulo: Companhia das Letras, 2003.
WALKER, José Roberto. Neve na manhã de São Paulo. São Paulo: Companhia das Letras, 2017.
(1) O Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo: Diário coletivo da garçonière de Oswald de Andrade. Coletivo da garçonière de Oswald de Andrade. São Paulo, 1918. As citações mantêm a grafia original da época, assim como nesse texto.
(2) Réquiem para Miss Cyclope, musa dialógica da pré-História textual Oswaldiana, p XVI. IN: Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo, 1918. Outros nomes de Cyclope: Daisi (Dayse), Dasinha, Miss Terremoto, Tufãonzinho. Oswald era Miramar; Os adeptos se reuniram na rua Líbero Badaró, região central de São Paulo. Entre os participantes estavam: Menotti del Picchia, Ricardo Gonçalves, Ferrignac, Monteiro Lobato e Guilherme de Almeida.
(3) Idem, página 9.
(4) Idem, p. 18.
(5) Idem, p. XVI a XXII. Segundo Oswald, a decisão do aborto foi de Cyclope, porque ela não queria ter, ademais, não sabia quem era o pai. Ele a apoiou e esteve ao seu lado até o fim.
(Oswald de Andrade, Revista Antropofágica, São Paulo, 1928).
&
A operação metafísica que se liga ao rito antropofágico é a da transformação do tabu em totem… cabe ao homem totemizar o tabu (Augusto de Campos, São Paulo, 1975)
A obra de Antonio Peticov, Momento Antropofágico comOswald de Andrade (1890 -1954), vem ratificar a importância do nosso Oswald, sua geração e o:
auto fé de um dos martins-pescadores da nossa crítica literária que tentava reduzir mecanicamente às matrizes do canibal Dada-futurista a antropofagia brasileira… conotação importante derivada do conceito de “antropofagia” Oswaldiano é a idéia da “devoração cultural” das técnicas e informações dos países superdesenvolvidos, para reelaborá-las com autonomia… (da mesma forma que o antropófago devora o inimigo para adquirir suas qualidades). (1)
Oswald teve educação privilegiada, recursos para viagens ao exterior e formação em Direito pela USP (1912); ele assumiu desde cedo um discurso vanguardista de conteúdo crítico literário. A cultura estrangeira foi o alimento ritualizado em seu Tupy or not Tupy, gestado e parido no Manifesto Antropofágico de 1928. A década de 1920 foi frutífera como autor de romances, de poemas aos Manifestos Pau Brasil (1925) e Antropofágico. Nos anos de 1930, o destaque para o Rei da Vela (1937), adentrando os anos de 1940, com mais romances e ensaios.
Oswald viveu até 1954, com dedicação exclusiva à Cultura Brasileira. Pouco antes de seu falecimento, mais um texto para o teatro e suas memórias – O Homem sem profissão (1954). Além de textos em jornais e publicações póstumas.
Por toda a contribuição de Oswald de Andrade à nossa cultura, a justíssima homenagem de Antonio Peticov com O Mural/ instalação Anamórfico, 1990 (2) – uma Comilança geral, do qual Peticov colocou-se como prato principal.
Antonio Peticov (1946-), Momento Antropofágico comOswald de Andrade, 1990. 16,40 m comprimento; 3,10 m de altura e 65 cm de profundidade. O Back-Light do teto tem 3,50 m x 7 m; o cilindro de aço do retrato de Oswald 191,59 cm x 30 cm diâmetro. O Pau-Brasil sobre o qual o cilindro está apoiado tem 1,20 m com diâmetro aproximado de 25 cm. Estação do metrô Praça da República, São Paulo.
Oswald de Andrade por Antonio Peticov
Em um conjunto de formas, além da Imagem de Oswald de Andrade como Totem Anamórfico, Peticov inseriu seu repertório artístico ao contexto histórico do homenageado. Diversos momentos da trajetória de Oswald foram resgatados por Peticov para compor um conteúdo necessário.
Do coletivo das almas perdidas (1918), Peticov resgatou um desenho de Ferrignac (3). De Tarsila do Amaral, Peticov resgatou seu Abaporu (1928) e o incorporou nos azulejos.
Ferrignac (Rio Claro, 1892- SP, 1958) Desenho, 1918. Adequação para azulejos, por Antonio Peticov, 1990.
Tarsila do Amaral (Capivari, 1886 – SP, 1976) Abaporu, 1928, óleo sobre tela 85 x 73. Adequação para azulejos de Peticov, 1990.
O jornal O homem do povo, 1932 e a propaganda do casal moderno Café Paraventi. Mural anamórfico do casal, por Antonio Peticov, 1990.
Oswald e Pagu foram resgatados na constância visual do “café Paraventi” associado ao casal Moderno, do jornal O Homem do Povo (4), periódico criado e mantido por ambos na militância política. Militância incomum a uma mulher naquela época, inúmeras vezes presa (em uma das vezes, por cinco anos), libertária no consciente papel da vanguarda, seja como jornalista e animadora cultural com firme trabalho no Teatro Amador de Santos, que lhe valeu a digna homenagem de Paschoal Carlos Magno na Aldeia de Arcozelo – “pátio Patrícia Galvão – Pagu” (5).
(1) Augusto de Campos, São Paulo, 1975, p. 6 e 7. In: Catálago Antonio Peticov, 1990.
(2) Anamorfose nas artes visuais “(do grego anamorphosis) Deformação de uma imagem formada por um sistema óptico cuja ampliação logitudinal é diferente da amapliação transversal.” In: Catálogo Antonio Peticov – Momento antropofágico, 1990. P. 4.
Tristes mares dessa escrita que rasga e insurge das profundezas. Onde a Fé oscilou, Gilberto Gil cantou e fez Kofi Annan (1938-2018), tocar e dançar no encontro de culturas irmãs (brasileira e ganesa), numa ação que moveu os representantes humanitários do mundo, onde todos se levantaram para aplaudir, dançar e entender um pouco da História do Brasil e da África. Na época, Kofi Annan era secretário geral da ONU (de 1997 a 2006) e vencedor do Nobel da Paz em 2001; e Gilberto Gil, Ministro da Cultura do Brasil e embaixador da Onu para a agricultura e alimentaçõa (de 2003 a 2008).
E pensar que Gil e muitos, de 1964 a1985, foram presos, muitos torturados, alguns sobreviveram com sequelas, outros morreram ou desapareceram. Os vinte e um anos de Ditadura Militar no Brasil foram resgatados pela Comissão da Verdade, que nasceu em 2011. O grande passo nos aproximou dos nossos irmãos Argentinos através da luta e reconhecimento das Avós da Praça de Maio (desde 1977); dos Uruguaios, pelo reconhecimento da luta política de Pepe Mujica (1935 -). É uma lição, saber do duro isolamento e da resistência de Mujica, que nos remete também a prisão de Nelson Mandela (1918- 2013) – e uma história que também é nossa.
As Fakenews acionaram seus canais de esgotos e fizeram da nossa Comissão da Verdade “uma paz sem voz, que não é paz é medo”. (1) A violência endógena de nossa História do Brasil abriu as feridas de séculos. Um país em que os professores apanham do Estado, tornou-se um marco histórico de 29 de abril de 2015, em Curitiba. Depois disso, tivemos um presidente que cuspiu no tributo da família Rubens Paiva, insultou a mulher que todas nós somos, Maria do Rosário e Maria da Penha. A virulência personificada atiçou a misoginia desse país recalcado pelo ‘coronelismo’, visto e ouvido em rede nacional, em plenos jogos olímpicos, em 2016, em um coral que até hoje dói, reverbera e que abriga o alto índice de feminicídio. Através de um coro misógino tiraram uma grande mulher presidente, violentada e difamada duas vezes na História do Brasil.
Quem mandou matar MARIELLE FRANCO (1979-2018)? Somado a isso, uma pandemia mundial frente ao negacionismo presidencial: – “E dai?”, pergunta o genocida do Brasil aliado ao estadunidense Trump – os dois negacionistas são responsáveis pelas duas primeiras colocações no ranking de mortos.
Os EUA se livraram do genocida deles. No Brasil, a República sobreviveu ao golpe contra a presidenta Dilma Rousseff e a tentativa de golpe dos fanáticos que ignoram as feridas crônicas de nossa História e que querem mais sangue, mais mortes, mais armas, mais torturas.
Quem são os humanos que podem ser chamados de humanos? “Vidas negras importam”, lá nos EUA, aqui e em todo mundo humano. Tudo nos afeta, sem afeto, sem memória, sem história e “uma classe média” mais violenta do que nunca, que ora se esconde e ora mata – mata o filho da empregada, alimentado pelo colonialismo, pelo racismo, enfim, tudo calcado em um neofascismo.
Esse neofascismo (em sua terceira fase) tem a raiz conceitual no salazarismo, no franquismo, no ‘varguismo’ e no pós Segunda Guerra Mundial, deu origem ao neonazismo. Contudo sua temporalidade é outra, seus personagens e valores históricos são outros. Podemos pensar o conceito e ampliarmos à virtualidade fascista de 2020-2023 e os novos núcleos de combate. O neofascismo pertence as sociedades democráticas e capitalistas, algumas frágeis e em processos democráticos.
Quais os movimentos atuais que são alvos e resistem? Por que resistem? – Resistem as mortes. A quem resistem? – a quem MANDOU MATAR!
A política alt-right vem promovendo: “o racismo e a supremacia branca; a misoginia, o sexismo e condutas LGBTQfóbicas; o autoritarismo, a recuperação idealizada de uma ordem passada e discursos genocidas” (2). Essa política é a face do neofascismo. E quando tudo isso vem agregado às ‘rachadinhas’ ou do assalto histórico do Estado? As lutas foram divididas em grupos específicos, mas os neofascistas não dividiram suas bandeiras.
Estamos em guerra (fria). No meio do discurso da política de segurança nacional há superencarceramento. Na política antiterrorista há xenofobia. Já não respiramos porque a polícia mata, a milícia mata. O vírus mata e o político manda matar.
Quem deve morrer? Quem pode viver? As respostas tem muito do devir negro no mundo. No Brasil o devir negro é a resposta para quem morre, porque existe a política colonizadora. Como uma sociedade Democrática se comporta com tanta desumanidade histórica? -“o levante antirracista e antipolícia, nada mais é do que uma autodefesa em meio à necropolítica securitária…” (3) Vidas indígenas importam. Vidas negras importam.
Subnotificações são descartes da vida em regiões periféricas; os desempregados tem status de emprego informal para não contabilizar o altíssimo desemprego. As famílias estão morando nas ruas. Nas ruas e nos transportes públicos as pessoas clamam por comida. Pessoas oferecendo seus CVs e vendendo balas em coro: “por favor, me ajudem!” Nós choramos e escrevemos; as aulas tem sido nas ruas, nos trens, no repente necessário porque as vozes não podem calar.
Somado a tudo isso, a tragédia dos refugiados, 80 milhões de pessoas perseguidas por questões políticas, religiosas e étnicas. Entre as nações que mais geraram refugiados, está a Venezuela. A Turquia, outrora negacionista do massacre Armênio, tornou-se o país que mais acolhe refugiados. A Alemanha, outrora genocida nazista, “tem aberto o país para o acolhimento de refugiados e busca inserí-los na sociedade alemã.” (4)
O mundo está uma loucura. Nossas resistências tem sido um devir Clarice Lispector (Chechelnyk, Ucrânia, 1920- Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 1977), pois estamos “atrás do que fica atrás do pensamento” (5)… tecendo a vida com a própria coragem e com A fé de Clarice: porque ela sabe quanto importa o outro, ela sabe pedir, ela sabe rezar. (6)
Gordon Matta-Clark (NY, EUA, 1943-Idem, 1978) Veículo de transportar Oxigênio, 1972.
(2) Acácio Augusto. Cem anos depois, um novo fascismo. In: CULT, Ano 24, janeiro 2021, p. 9.
(3) Camila Jourdan. Quando vidas são descartáveis, nenhuma vida é um valor em si. In: CULT, Ano 24, janeiro 2021, p. 15.
[4] Alex Ricciard. “onde está meu irmão sem irmã, meu filho sem pai ? In: Revista Aventuras na História – A crise dos Refugiados, Dezembro de 2020, p. 36.
(5) Evando Nascimento. O humano e o não humano, p. 27. In: Cult Clarice Lispector, ano 23, dezembro 2020, edição 264. Edição primorosa coordenada por Daysi Bregantini.
(6) Marcela Lordy. Por que amamos Clarice, p. 51. In: Cult Clarice Lispector, ano 23, dezembro 2020, edição 264.
"Onde é dado o sentido do tempo, do visível, do invisível, do sagrado, do profano, do prazer, do desejo, da beleza e da feiúra, da bondade e da maldade, da justiça e da injustiça." Déa Fenelon
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